Vanitas vanitatum: Verdi’s La Traviata in the Opéra National de Paris

La Traviata by Giuseppe Verdi

Opéra National de Paris, Bastille

Director: Simon Stone

Set design: Bob Cousins

Costumes: Alice Babidge

Voices: Pretty Yende, René Barbera, Ludovic Tézier, Cassandre Brethon, Seray Pinar, Luis-Felipe Sousa, Florent Mbia, Amin Ahangaran, Nicholas Jones

Simon Stone’s production of La Traviata has returned to the Opéra National de Paris. This is another contemporary interpretation of Giuseppe Verdi’s classic opera, one that strips the performance of its meaning rather than adding to it. Seven years on from its premiere, it still sells out, undoubtedly sustaining its status as a unique opera event. However, there is an interesting irony within it, as we will see later. 

The production transports Violetta Valéry to the 21^st century. She is a celebrity with her own perfume, ‘Villain,’ and thousands of social media followers, and she enjoys living in the spotlight. The set, designed by Bob Cousins, serves to demonstrate Violetta’s status. In the middle of the stage is half of a large, rotating cubicle. This consists of two adjacent walls and the floor. The inside is plain white and contains some scenes with additional items in the middle. The two outer walls are giant screens displaying Violetta’s social media posts, text messages, perfume advertisements and news headlines. The set design changed frequently, which resulted in the performance being constantly interrupted by the noise of machinery.

The idea of setting La Traviata in contemporary times was probably driven by the desire to critique the superficiality of social media and the vanity of celebrity culture. However, in the context of the transient nature of news and sensational headlines, the story of Violetta has become completely unbelievable. Giorgio Germont asked Violetta, an established celebrity who had her own perfume advertised on huge screens in Paris, to give up her dreams and her love because his daughter was set to marry a Saudi sheikh who would break off the engagement if Alfredo remained in a relationship with Violetta... In the present era of utmost individualism, when the shelf life of any media sensation is short, who would believe in Giorgio’s argument? And how could a modern-day Alfredo ever forgive his father for interfering in his love life? 

Searching for a universal message in opera can sometimes trap creators in the pitfalls of anachronism. Although the history on stage was vivid, it was simply not convincing. It would probably have been better to leave Violetta in her historical era, where her story makes sense and has a strong impact, showing the complexities of a woman’s fate and the sacrifices demanded by society. Although some scenes were brilliant, it was not so easy to relate to the story of La Traviata on a Parisian stage. One such scene was Sempre Libera sung next to a Paristanbul kebab shop (there are kebab shops called Paristanbul in Paris). This was a fresh, humorous and ironic presentation of the city’s less glamorous side. However, Paris also seemed to be a victim of the creators’ vision. The La Traviata characters divided their time between the grimy Parisian streets and parties with a BDSM flavour. In the second act, Violetta and Alfredo escaped the city for a simple village life, as if it were a relief from vanity and the abyss of celebrity life.

Ironically enough, it was the celebrities who saved the performance. Of course, they were different to those painted by the opera script – opera celebrities and accomplished singers. Despite the unfavourable presentist scenario and the often unflattering costumes designed by Alice Babidge (the BDSM motifs were not as shocking as Alfredo dressed as Donald Duck during the second-act party), the great contemporary opera stars made the event more than memorable, with the audience wiping away tears.  

Yes, Pretty Yende, Ludovic Tézier and René Barbera carried the whole show on their shoulders, creating a masterpiece on stage. On this occasion, the director's interpretation was irrelevant. What mattered was the sublime atmosphere created by the lead characters through their mastery of singing. The story was told through voices and music. René Barbera, playing Alfredo, made the audience believe in his pure love for Violetta, maintaining an incredible tenderness in his voice and a softness that made his singing sound like poetry. Even when he was furious and promising revenge, he managed to maintain a tender undertone, adding a truly tragic aspect to his character. 

However, the true emotional rollercoaster was provided by Pretty Yende. Her voice conveyed all the emotions of joy, despair, strength, hope and determination, drawing us into Violetta’s experiences. It was Pretty Yende who made us empathise with her character and weep for her misfortune. Her performance was incredible: the depth and beauty of her voice, her ability to sing the highest tones, and her consistent perfection throughout the show deserve the highest acclaim.

Ludovic Tézier completed the dream team trio. His portrayal of Giorgio in the second act was terrifyingly distant. He made no unnecessary movements on stage. He was a man of principle, driven perhaps not so much by love for his daughter, but rather by the desire to maintain his social image. He struggled to hug Violetta and kept a formal pose as if it was not him but society that demanded her sacrifice. There was more power than sympathy in his voice. When Violetta and Giorgio sang their duet, it seemed as if they were coming from two different realms vocally – one of emotion and love, and the other of power and social discipline. The cry of ‘Piangi!’ was not an expression of pity; it seemed to be an act of social control. However, when Pretty Yende and Ludovic Tézier finished the duet, they received the longest ovation I have ever witnessed during a performance. Setting aside the disease (cancer in this case), Giorgio Germont was the driving force behind the entire tragedy. The powerful, cold and deep baritone allowed Ludovic Tézier to fully embody this character, only to melt on stage into soft, warm tones when confronted with his own erroneous acts. 

Although other characters were somewhat overshadowed by Verdi in La Traviata, in Paris they shone on stage and engaged the audience in the performance. Cassandre Berthon (Annina) and Seray Pinar (Flora) both made the most of their time on stage, portraying two radically different characters who directly influenced Violetta’s life. Amin Ahangaran was exceptional as Doctor Grenville. He adopted an ambiguous approach to the patient, expressing all the doubts and uncertainties that doctors have when facing a hopeless death. Florent Mbia as the Marquis d’Obigny, Nicholas Jones as Gastone and Luis-Felipe Sousa as the Baron Douphol also delivered amazing performances as bon vivants, bringing Parisian nightlife to life.

Another bright element that contributed greatly to the success of the evening was the elegant and gentle way in which Marta Gardolińska led the orchestra. La Traviata was her debut at the Opéra National de Paris, and I would say it was a resounding success. The performance I saw was a great tribute to the singers on stage. She conducted the orchestra to support the singers, emphasising their efforts and underlining the tones. She accompanied the singers, stressing the melodic and harmonious moments and toning down the abrupt and strongest ones to add to the emotions built on stage. Once again, the emotions were predominantly constructed on an auditory rather than a visual level. 

And, truth be told, that was enough for such a renowned opera. Thanks to Pretty Yende, René Barbera, Ludovic Tézier and Marta Gardolińska, La Traviata was stunning. The music and its performance spoke for themselves. The evening proved that vocal mastery and musical perfection triumph over the flaws and inconsistencies of the overly contemporary approach to opera. We are already aware of the vanity and superficiality of the social media landscape. We do not need La Traviata to remind us of that. What we want from La Traviata is to engage with the story of a fallen woman: a woman deprived by society of choice, but left with a whole depth of emotions, experiences and dreams.

Kamila Baraniecka-Olszewska

La producción de La Traviata de Simon Stone ha regresado a la Opéra National de Paris. Se trata de otra interpretación contemporánea del clásico de Giuseppe Verdi, una que despoja a la obra de gran parte de su significado en lugar de enriquecerla. Siete años después de su estreno, continúa agotando las localidades, manteniendo sin duda su condición de acontecimiento operístico singular. Sin embargo, existe una interesante ironía en esta producción, como veremos más adelante.

La producción traslada a Violetta Valéry al siglo XXI. Es una celebridad con su propio perfume, Villain, miles de seguidores en las redes sociales y una vida permanentemente expuesta a los focos. La escenografía de Bob Cousins sirve principalmente para subrayar el estatus de celebridad de Violetta. En el centro del escenario se sitúa la mitad de un gran cubo giratorio, compuesto por dos paredes contiguas y el suelo. El interior es completamente blanco y, en ocasiones, contiene algunos elementos escénicos adicionales. Las paredes exteriores funcionan como gigantescas pantallas en las que se proyectan publicaciones de las redes sociales de Violetta, mensajes de texto, anuncios de su perfume y titulares de prensa sensacionalista. Sin embargo, los constantes cambios escenográficos provocan frecuentes interrupciones debido al ruido de la maquinaria escénica.

La decisión de situar La Traviata en la actualidad probablemente responde al deseo de criticar la superficialidad de las redes sociales y la vanidad de la cultura de la celebridad. Sin embargo, en el contexto de la fugacidad de las noticias y de los escándalos mediáticos contemporáneos, la historia de Violetta resulta completamente inverosímil. Giorgio Germont pide a Violetta —una celebridad consolidada cuyo perfume aparece anunciado en enormes pantallas por todo París— que renuncie a sus sueños y a su amor porque su hija está a punto de casarse con un jeque saudí que rompería el compromiso si Alfredo continuara su relación con ella. En una época marcada por el individualismo extremo, donde la vida útil de cualquier escándalo mediático es brevísima, ¿quién puede creer realmente en el argumento de Giorgio? ¿Y cómo podría un Alfredo contemporáneo perdonar a su padre por interferir de manera tan profunda en su vida sentimental?

La búsqueda de mensajes universales en la ópera puede llevar a veces a los creadores a caer en la trampa del anacronismo. Aunque la acción escénica resulta viva y dinámica, simplemente no resulta convincente. Probablemente habría sido preferible dejar a Violetta en su contexto histórico original, donde su historia tiene pleno sentido y posee un fuerte impacto dramático al mostrar las complejidades del destino femenino y los sacrificios exigidos por la sociedad. Algunas escenas son, sin embargo, verdaderamente brillantes.

Una de ellas es Sempre libera, cantada junto a un establecimiento de kebabs Paristanbul (una cadena real existente en París), ofreciendo una visión fresca, humorística e irónica del lado menos glamuroso de la ciudad. Sin embargo, París también parece convertirse en víctima de la visión de los creadores. Los personajes de La Traviata dividen su tiempo entre calles sombrías y fiestas con una estética claramente inspirada en el BDSM. En el segundo acto, Violetta y Alfredo huyen hacia una sencilla vida rural, como si esta representara un alivio frente a la vanidad y el abismo de la cultura de la celebridad.

Paradójicamente, son precisamente las celebridades quienes salvan la representación. No las celebridades retratadas en escena, sino auténticas estrellas de la ópera. A pesar del poco convincente contexto contemporáneo y de los a menudo poco favorecedores vestuarios diseñados por Alice Babidge —las referencias BDSM resultan menos impactantes que Alfredo disfrazado de Donald Duck durante la fiesta del segundo acto—, los grandes artistas presentes sobre el escenario convierten la velada en una experiencia inolvidable que lleva al público hasta las lágrimas.

En efecto, Pretty Yende, Ludovic Tézier y René Barbera sostienen por sí solos todo el espectáculo, creando una auténtica obra maestra escénica. En este contexto, la interpretación del director escénico se vuelve casi irrelevante. Lo verdaderamente importante es la atmósfera sublime creada por los protagonistas gracias a la excelencia de su canto. La historia termina siendo narrada fundamentalmente a través de la música y de las voces.

René Barbera, en el papel de Alfredo, consigue que el público crea plenamente en el amor sincero de su personaje por Violetta. Su canto se caracteriza por una extraordinaria ternura y una suavidad que confiere a su interpretación una cualidad casi poética. Incluso en los momentos de ira, cuando Alfredo busca venganza, Barbera mantiene un trasfondo de vulnerabilidad que intensifica la dimensión trágica del personaje.

Sin embargo, la verdadera montaña rusa emocional de la noche la protagoniza Pretty Yende. A través de su voz transmite alegría, desesperación, fortaleza, esperanza y determinación, arrastrando al público al universo interior de Violetta. Es Yende quien logra que empatizamos profundamente con la protagonista y lloremos su desgracia. Su actuación es sencillamente extraordinaria: la riqueza y belleza de su voz, su dominio del registro agudo y la perfección mantenida durante toda la representación merecen el mayor reconocimiento.

Ludovic Tézier completa este reparto de ensueño. Su Giorgio Germont en el segundo acto resulta escalofriantemente distante. Evita cualquier gesto innecesario, encarnando a un hombre regido por principios y quizá más preocupado por preservar su posición social que por la felicidad de su hija. Incluso cuando intenta abrazar a Violetta permanece rígido y formal, como si fuese la propia sociedad, y no el individuo, quien exigiera el sacrificio. Su voz transmite autoridad más que compasión. En el gran dúo con Violetta parece que ambos cantantes pertenecen a mundos completamente diferentes: uno dominado por el amor y la emoción, y otro regido por el orden social y el poder. El grito de «¡Piangi!» no expresa piedad, sino más bien un acto de dominación social.

Cuando Pretty Yende y Ludovic Tézier concluyeron su dúo, recibieron una de las ovaciones más largas que he presenciado jamás durante una representación. Más allá de la enfermedad —representada aquí como un cáncer—, Giorgio Germont emerge como el auténtico motor de la tragedia. El poderoso, oscuro y profundo barítono de Tézier le permite encarnar plenamente al personaje, suavizando únicamente su canto cuando debe enfrentarse a las consecuencias de sus propios actos.

Aunque Verdi concede relativamente poco espacio dramático a algunos personajes secundarios en La Traviata, todos ellos brillan en el escenario parisino. Cassandre Berthon (Annina) y Seray Pinar (Flora) aprovechan al máximo sus apariciones, interpretando a dos mujeres muy distintas pero igualmente influyentes en la vida de Violetta. Amin Ahangaran resulta excepcional como el Doctor Grenville, adoptando un enfoque lleno de matices que expresa todas las dudas e incertidumbres de un médico ante una muerte inevitable. Florent Mbia como el Marqués d'Obigny, Nicholas Jones como Gastone y Luis-Felipe Sousa como el Barón Douphol completan el reparto con excelentes interpretaciones que recrean vívidamente la vida nocturna parisina.

Otro elemento esencial para el éxito de la velada fue la dirección elegante y sensible de Marta Gardolińska. Esta La Traviata marcó su debut en la Opéra National de Paris y puede calificarse como un éxito rotundo. La representación se percibe, ante todo, como un homenaje a los cantantes. Gardolińska modela el sonido orquestal para sostener y realzar las líneas vocales, subrayando la belleza melódica y armónica y suavizando los momentos más abruptos de la partitura para reforzar la intensidad emocional que se desarrolla sobre el escenario. Una vez más, el impacto emocional de la velada se construye principalmente a través del sonido y no del espectáculo visual.

Y, en verdad, eso es más que suficiente para una obra maestra como La Traviata. Gracias a Pretty Yende, René Barbera, Ludovic Tézier y Marta Gardolińska, esta representación resulta profundamente conmovedora. La música y su interpretación hablan por sí solas. La velada demuestra que el arte vocal y la excelencia musical pueden imponerse finalmente a las limitaciones e inconsistencias de una aproximación excesivamente contemporánea a la ópera. Ya somos plenamente conscientes de la vanidad y superficialidad de las redes sociales. No necesitamos que La Traviata nos lo recuerde. Lo que buscamos en La Traviata es la historia de una mujer caída: una mujer privada por la sociedad de la capacidad de elegir, pero dotada de una inmensa profundidad emocional, de experiencias y de sueños.

Kamila Baraniecka-Olszewska