Una memorable noche shakesperiana en el Teatro Real

Roméo et Juliette, Charles Gounod 

Teatro Real, Madrid 

13.06.2026 

Artistic Team:

Carlo Rizzi (Music Director), Thomas Jolly (Stage Director), Bruno de Lavenère (Set Designer), Bruno de Lavenère (Costume Designer), Antoine Travert (Lighting Designer), Josépha Madoki (Choreographer), Ran Arthur Braun (Fight Director), and José Luis Basso (Chorus Director).

Cast:

Nadine Sierra (Juliette), Javier Camarena (Roméo), Roberto Tagliavini (Frère Laurent), Carles Pachon (Mercutio), Héloïse Mas (Stéphano), Laurent Naouri (Capulet), Maciej Kwasnikowski (Tybalt), Sonia Ganassi (Gertrude), David Lagares (The Duke of Verona), Tomeu Bibiloni (Pâris), Josep-Ramón Olivé (Grégorio), Pablo Martínez (Benvolio), Javier Castañeda (Frère Jean), Legipsy Álvarez (Manuela), Tina Silc (Pepita), and Alexander González (Angelo).

Teatro Real Chorus and Orchestra

In 1597, one of the most important plays by the English playwright William Shakespeare was published in the United Kingdom: Romeo and Juliet. This work has exerted an enormous artistic influence throughout history. In the musical sphere alone, one can cite works such as Hector Berlioz’s symphony, Pyotr Ilyich Tchaikovsky’s eponymous fantasy overture, and Sergei Prokofiev’s ballet. Among operatic adaptations, however, special mention must be made of the work premiered by Charles Gounod, the French composer who brought the first part of Goethe’s Faust to the operatic stage. Roméo et Juliette premiered at the Théâtre Lyrique in Paris on 27 April 1867.

During the 2025–2026 season, Shakespeare has been one of the guiding themes of Teatro Real’s programming through several operas (Otello by Verdi, The Fairy Queen by Purcell, and A Midsummer Night’s Dream by Britten), all based on his plays. Roméo et Juliette was first performed at Teatro Real on 19 November 1873, but its last staged production dates back to 1911. Since the theatre’s reopening in 1997, it had only been presented in concert form, most notably in 2014 with Sonya Yoncheva and Roberto Alagna in the leading roles.

Its return to Madrid is linked to the commemoration of the fortieth anniversary of the five iconic performances given at Madrid’s Teatro de la Zarzuela by the great tenor Alfredo Kraus alongside soprano Ana María González. It also serves as a tribute to Kraus in anticipation of the centenary of his birth on 24 November 2027.

This production is a co-production with the Opéra National de Paris and premiered at the Opéra Bastille in 2023. The staging is the work of Thomas Jolly, creator of the opening ceremony of the Paris 2024 Olympic Games and a passionate admirer of Shakespeare. During the COVID-19 pandemic, he and his partner performed excerpts from Romeo and Juliet from the balconies of their apartment, attracting considerable attention and ultimately inspiring this large-scale operatic production.

Jolly sets the story during the plague that ravaged Venice, something made evident during the prelude through the appearance of doctors spraying bodies lying onstage. Together with set designer Bruno de Lavenère, he places at the center of the stage a recreation of the grand staircase of the Palais Garnier mounted on a revolving platform. This allows the audience to see the famous staircase frontally during the first act, where it serves as the Capulet mansion, while later revealing different locations on its remaining sides. Antoine Travert’s ingenious lighting helps define each space, including the Capulet garden, Frère Laurent’s cell, Juliette’s bedroom, and the crypt where Juliette’s body is brought in by boat and where the lovers meet their tragic end.

The entire production is immersed in a nocturnal aesthetic dominated by chiaroscuro effects in both the sets and costumes. Designed by Bruno de Lavenère, the costumes are especially striking in the first act. The soloists wear eye-catching outfits, while each chorister appears in unique attire, ranging from enormous tutus to harlequin costumes and other imaginative designs in a palette of red, white, and black.

Another notable feature is Josépha Madoki’s choreography, which introduces waacking to the operatic stage—a dance style born from street culture with roots in punk influences and developed in Los Angeles gay clubs during the disco era of the 1970s.

Musically, Carlo Rizzi deserves the highest praise for his masterful leadership of the Teatro Real Orchestra. He revealed the richness of Gounod’s score, a work sometimes criticized for its stylistic eclecticism, yet one in which every musical gesture serves the drama. The orchestral prelude displays Wagnerian touches through its tremolos and use of trombones, while elsewhere Gounod evokes the madrigal tradition in the lovers’ first-act duet and Classical style in the wedding scene of the third act. Particularly memorable was the Danse Bohémienne following the Poison Aria in Act IV, where the dancers executed the varied rhythms with remarkable precision.

José Luis Basso led the excellent Teatro Real Chorus with great skill. From the prologue onward, the chorus functions almost as a collective narrator, recounting the tragedy of Roméo and Juliette and the conflict between their families. Throughout the opera, their singing was both elegant and powerful, perfectly reflecting the beauty of Gounod’s writing. Special mention should also be made of the three comprimario performers—Legipsy Álvarez (Manuela), Tina Silc (Pepita), and Alexander González (Angelo)—who appeared briefly during the forced marriage scene between Juliette and Pâris in Act IV.

The evening was dominated by the leading pair: Mexican tenor Javier Camarena as Roméo and American soprano Nadine Sierra as Juliette. Together they conveyed the lovers’ passion with exceptional conviction, particularly in their numerous duets, charting the evolution from youthful infatuation in Act I to death for love in Act V.

Camarena handled the demanding role of Roméo with remarkable artistry. His command of the middle and upper registers was evident in the celebrated aria “Ah! lève-toi, soleil!” (“Ah! Rise, O Sun!”), which he concluded with exquisite mezza voce singing. He also demonstrated impressive dramatic commitment, both in the madrigal dance sequence and in the confrontation and sword fight with Tybalt in Act III.

Nadine Sierra confirmed once again that she is among the foremost interpreters of Juliette today. From the famous first-act aria “Ah! je veux vivre” (“Ah! I Want to Live”) to the great Poison Aria “Dieu! quel frisson court dans mes veines? – Ah! Verse ce breuvage!” (“God! What shiver runs through my veins? – Ah! Pour this potion!”), she displayed complete technical mastery and emotional depth. Following a tremendous ovation, Sierra and Rizzi shared a moment of understanding that led to the soprano’s first encore at Teatro Real. She had already done the same during her role debut in Bilbao in 2023. Throughout the performance, she demonstrated total command of every vocal register while conveying the character’s emotional journey with extraordinary effectiveness.

Roberto Tagliavini’s magnificent voice as Frère Laurent projected authority and elegance, particularly during his Act III scene at the lovers’ wedding. Héloïse Mas excelled as Stéphano, recalling the youthful energy of Oscar in Un ballo in maschera, especially in “Depuis hier je cherche en vain mon maître!” (“Since yesterday I have searched in vain for my master!”).

Among the supporting cast, Carles Pachón (Mercutio), Maciej Kwasnikowski (Tybalt), and Laurent Naouri (Capulet) proved particularly impressive. Sonia Ganassi, however, was less convincing as Gertrude, as there were moments when her voice did not project clearly. The smaller roles were all capably handled by David Lagares (Duke of Verona), Tomeu Bibiloni (Pâris), Josep-Ramón Olivé (Grégorio), Pablo Martínez (Benvolio), and Javier Castañeda (Frère Jean).

One negative point emerged at the end of the opera, though it might go unnoticed by those unfamiliar with the score. A cut was made in the final scene. In the original libretto, when the lovers rise in the crypt for one last effort, they sing together: “Seigneur, Seigneur, pardonnez-nous!” (“Lord, Lord, forgive us!”). For me, omitting this passage removes a crucial element of the ending, in which both characters realize that they might still have lived had they not taken the actions that ultimately led to their deaths.

In summary, to stage this opera successfully one needs above all a strong production, outstanding principal singers, capable supporting performers, and an excellent conductor. Teatro Real has undoubtedly succeeded in bringing all of these elements together.

Miguel Ángel González Hoyos

Photos: © Javier del Real, Teatro Real

En el año 1597 se publicó en el Reino Unido una de las obras teatrales más importantes del dramaturgo inglés William Shakespeare. Me refiero a Romeo and Juliet. Esta obra ha tenido una enorme influencia artística a lo largo de la historia. Así, en el ámbito musical cabe destacar obras como por ejemplo la sinfonía que hizo Hector Berlioz, la obertura-fantástica homónima de Piotr Ilich Tchaikovsky o el ballet de Serguéi Prokófiev. Pero dentro de esta categoría cabe destacar la que estrenó Charles Gounod, el compositor de ópera francés que llevó a la lírica la primera parte del Faust de Johann Wolfgang von Goethe, en el Théâtre Lyrique de París el 27 de abril de 1867 titulada Roméo et Juliette. 

Shakespeare ha sido esta temporada 2025 - 2026 uno de los ejes conductores de la programación del Teatro Real a través de varias óperas (Otello (G. Verdi), The Fairy Queen (H. Purcell) y A Midsummer Night's Dream (B. Britten)) cuyos libretos están basados en algunas de sus obras teatrales. Este título se estrenó en el Teatro Real el 19 de noviembre de 1873, pero su última versión escénica fue en 1911, y solo se ha vuelto a programar en versión concierto, desde su reapertura en 1997, durante tres funciones en 2014 con Sonya Yoncheva y Roberto Alagna como la pareja protagonista. 

El hecho de que se haya vuelto a programar en el coliseo madrileño se debe a que se celebran los 40 años de las cinco icónicas funciones que tuvieron lugar por primera vez en el Teatro de la Zarzuela llevadas a cabo por el gran tenor Alfredo Kraus, que la interpretó junto a la soprano Ana María González, y que, además, sirve como homenaje in memoriam hacia Kraus como pórtico de cara al centenario de su nacimiento que tendrá lugar el 24 de noviembre del 2027. 

Este montaje es una coproducción con la Ópera National de Paris y se estrenó en la Opéra Bastille en el año 2023. La propuesta escénica contó con el trabajo de Thomas Jolly, creador de la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de París del año 2024, y gran admirador de William Shakespeare. Hasta tal punto que durante la pandemia del COVID-19 representó, junto a su pareja, fragmentos de la obra romántica en los balcones de su apartamento, lo que generó una gran repercusión y le llevó a realizarla sobre el gran escenario operístico francés. Aquí Jolly desarrolla la trama durante la época de peste que asoló Venecia, algo que se observó durante el preludio a través del trabajo de los médicos rociando los cuerpos que había en escena. Lo que predomina en las tablas, creado junto al escenógrafo Bruno de Lavenère, es una recreación de la gran escalinata del Palais Garnier que se encontraba sobre una plataforma giratoria. Esto permite que principalmente se vea le grand escalier como vista frontal que durante el primer acto es la mansión de los Capuleto y a medida que se va desarrollando la trama permite mostrar otros espacios en los tres lados restantes, marcados con una ingeniosa iluminación de Antoine Travert, que iluminó por ejemplo la sala principal del Teatro Real durante la fiesta de los Capuleto con luces en forma de una bola de espejos, lo que permitía delimitar el resto de espacios como por ejemplo el jardín de los Capuleto, la celda donde Frére Laurent casa a la pareja, la habitación de Juliette o la cripta donde tiene lugar la presentación, a través de una barca, del cuerpo de la amada y el final de los amantes. 

Toda la función tiene una estética nocturna con claroscuros tanto en la escenografía como en el vestuario. Este ha sido diseñado por Bruno de Lavenère y destaca el que tiene lugar durante el primer acto porque los solistas tienen unos trajes llamativos y las prendas son distintas en todo el coro, desde una cantante con un tutú enorme hasta algunos con trajes de arlequino u otras variedades, con una gama cromática en rojo, blanco y negro. Otro aspecto a destacar es el trabajo de la coreógrafa Josépha Madoki que traslada al escenario el waacking que es un tipo de baile creado en las calles con un origen en el punk y se originó en los clubes gay de la ciudad de Los Ángeles durante la época de música disco de los años 70. 

En el apartado musical destacar el brillante trabajo de Carlo Rizzi que dirigió con maestría la Orquesta Titular del Teatro Real donde mostró la compleja partitura del compositor, que fué acusado de llenar la obra de un montón de pastiches, pero cada parte musical que creó Gounod sirve completamente al drama, donde se expresa claramente la situación a través de los distintos estilos musicales, como por ejemplo el preludio orquestal donde tiene un punto wagneriano con los trémolos o el uso del trombón, que otorga a la música un toque más cálido y vivaz; el madrigal que se muestra en el dúo de los amantes en el primer acto, o la escena del matrimonio del tercer acto donde muestra una música propia del clasicismo. Además dirigió, tras el aria del veneno, en el cuarto acto, la Danse Bohémienne donde hay una gran cantidad de tipos de danzas y cuyos bailarines supieron ir al ritmo perfectamente. 

El magnífico Coro Titular del Teatro Real fue dirigido con habilidad por José Luis Basso conduciendo con eficacia, desde el prólogo, donde oimos una especie de narradores que van contando la propia tragedia de Roméo y Juliette, además de la oposición de ambas familias como se muestra en el original de Shakespeare. A lo largo de la ópera su presencia ha sido de una gran belleza y fuerza sabiendo transmitir la elegancia que el compositor les ha otorgado en esa maravillosa partitura. Debo de destacar que hubo tres partiquinos Legipsy Álvarez (Manuela), Tina Silc (Pepita) y Alexander González (Angelo) que tuvieron una breve intervención, en la segunda escena del cuarto acto, donde tiene lugar el matrimonio forzado de Juliette con Pâris antes de la fingida muerte de la desdichada. 

No puede dejarse de destacar el trabajo de la pareja protagonista formada por el gran tenor mexicano Javier Camarena que hacía de Roméo y por la gran soprano americana Nadine Sierra que encarnaba a Juliette. Ambos supieron transmitir con excelencia el amor que sentía la pareja y nos han dado grandes momentos musicales como todos los dúos amorosos y donde se va observando la evolución romántica desde el amor juvenil del primer acto hasta la muerte por amor en el quinto acto. Javier Camarena ha sabido defender con maestría el rol complicado de Roméo, ya que se nota claramente el dominio de su registro en la zona media-aguda, donde mostró la elegancia que presenta el aria “Ah! lève-toi, soleil!” (“¡Ah! ¡Levántate, sol!”) finalizando la página a media voz. También muestra que ha tenido una capacidad actoral para esta producción tanto en el baile del madrigal como en el encontronazo en la segunda escena del tercer acto con Tybalt y su posterior lucha con espadas. Nadine Sierra es una de las grandes sopranos que hay en la actualidad para este rol, algo que reflejó desde el aclamado aria que tiene en el primer acto “Ah, je veux vivre” (“¡Ah!, yo quiero vivir”) hasta el gran aria del veneno “Dieu! quel frisson court dans mes veines?” - “Ah! Verse ce breuvage!” (“¡Dios mío! ¿Qué escalofrío corre por mis venas?” - “¡Ah! ¡Vierte esta poción!”) donde tras una enorme y aclamada ovación hubo una compenetración entre soprano-director, algo que llevó a cabo hacia el primer bis de esta soprano en el Teatro Real. En la ABAO de Bilbao en 2023 hizo lo mismo siendo además el debut de dicho rol. Aún así mostró que domina todos los registros vocales y sabe transmitir la emoción que genera este papel hacia el oyente. 

La gran voz de Roberto Tagliavini como Fray Laurent, mostró claramente que tiene un gran poder y cuyo papel es capaz de otorgarle una elegancia mostrada en su aria del tercer acto durante la boda de los amantes de Venecia. La habilidad de Hélöise Mas como Stéphano, algo que nos recuerda al papel de Óscar en Un ballo in maschera, quedó reflejada con creces en “Depuis hier je cherche en vain mon maître!” (“¡Desde ayer busco en vano a mi señor!”). Fueron un gran descubrimiento los papeles de Carles Pachón (Mercutio), Maciej Kwasnikowski (Tybalt) y Laurent Naouri (Capulet). En cambio Sonia Ganassi no me convenció mucho como Gertrude debido a que había momentos en sus intervenciones en los que no se la percibía bien. Los pequeños papeles fueron solventados con elegancia por David Lagares (el duque de Verona), Tomeu Bibiloni (Pâris), Josep-Ramón Olivé (Grégorio), Pablo Martínez (Benvolio) y Javier Castañeda (Fray Jean). 

Hubo un punto negativo al final de la ópera, algo que no se aprecia fácilmente si no se conoce. La cuestión es que se llevó a cabo un corte en el texto. En el libreto original cuando están en la cripta y se levantan haciendo un último esfuerzo, cantan al unísono “Seigneur, Seigneur, pardonnez-nous!” (“¡Señor, Señor, perdónanos!”). Esto marca la ausencia, para mí, del final donde ambos se dan cuenta de que podrían haber seguido vivos tras haber cometido las acciones que les llevan a ambos a la muerte. En resumen para poder hacer un teatro esta ópera lo que se necesita principalmente es una buena producción, unos buenos solistas, buenos cantantes para los papeles secundarios y un buen director por lo que el Teatro Real ha sabido encontrarlo. 

Miguel Ángel González Hoyos