Tristan und Isolde in Leipzig

Tristan und Isolde, 11. April 2026, Oper Leipzig

Conductor: Ivan Repušić, Orchestra: Gewandhausorchester Leipzig, Production: Enrico Lübbe Tristan: Daniel Frank, Isolde: Elisabeth Teige, Brangäne: Ulrike Schneider, Kurwenal: Mathias Hausmann, König Marke: Byung Gil Kim

Es war die letzte Vorstellung der Serie, und von Beginn an war spürbar, dass sich hier noch einmal vieles bündelt. Im Zentrum stand Elisabeth Teige, doch dieser Abend war insgesamt mehr als nur eine Starbesetzung.

Szenisch gehört diese Produktion zu den überzeugendsten Tristan-Erfahrungen. Das Bühnenbild arbeitet mit einer drehbaren Konstruktion aus Fragmenten eines zerstörten Schiffswracks, die sich in jedem Aufzug neu formiert und so immer wieder andere Räume entstehen lässt. Nichts wirkt statisch, alles bleibt in Bewegung, als würde sich die Welt selbst permanent neu zusammensetzen.

Eine zentrale Idee ist der große Lichtrahmen an der Rampe. Alles dahinter gehört zur Welt des Seins, alles davor zu dem, was diese Welt umgibt, etwas Transzendentes, nicht Greifbares. Diese Trennung bleibt nicht abstrakt, sondern wird konsequent durchgespielt.

Im Liebesduett überschreiten Tristan und Isolde diese Schwelle bereits innerlich, während ihre Doubles im Hintergrund noch in der realen Welt verharren und einander nicht erreichen können. Besonders eindrücklich ist das Ende: Tristan ist der Erste, der den Rahmen überschreitet, der diesen Schritt vorwegnimmt. Isolde folgt ihm erst im Liebestod. Diese Verschiebung macht die Szene noch intensiver. Die Blickkontakte zwischen den beiden Ebenen gehören zu den stärksten Momenten des Abends.

Musikalisch war das ein Abend auf sehr hohem Niveau. Die Oper Leipzig kann mit dem Gewandhausorchester auf einen Klangkörper zurückgreifen, der eine enorme Qualität mitbringt. Unter Ivan Repušić entwickelte sich der Abend von Beginn an aus einer großen Ruhe heraus. Über die Akte hinweg fand das Orchester immer mehr in einen Fluss, der die Zuhörer tief in das Geschehen hineinzog.

In den Fieberträumen des dritten Aufzugs steigerte sich diese Entwicklung zu einer dichten, fast überwältigenden Klangwirkung. Die Dynamik war fein aufgebaut und entlud sich genau in den richtigen Momenten. Gleichzeitig wurden die Dialogszenen, besonders am Ende des zweiten Aufzugs, sehr zügig genommen. Das hatte etwas Liedhaftes, sehr direkt und fließend, was der musikalischen Linie eine klare Richtung gab und insbesondere Tristan zugutekam.

Elisabeth Teiges Isolde ist ein Meilenstein. Während viele Interpretationen entweder ins Forcieren gehen oder sich hinter übermäßigem Vibrato absichern, findet sie eine Balance, die beides vermeidet. Ihre Isolde ist eine Urgewalt und zugleich von großer Schönheit. Es ist eine liebende Isolde, bei der Spiel und Gesang eng miteinander verbunden sind. Im Vergleich zu ihrem Debüt an der Deutschen Oper Berlin hat sie die Partie noch einmal vertieft und vor allem deutlich an Volumen gewonnen. Diese Entwicklung ist bemerkenswert und lässt auf viele weitere große Abende hoffen.

Daniel Frank bringt als Tristan viel Erfahrung aus dem Wagnerfach mit. Seine Stimme ist sehr gut geführt, und er teilt seine Kräfte klug ein. Die Dialogszenen im ersten Aufzug waren prägnant und klar, im zweiten Aufzug entwickelte sich eine warme, runde Klangfarbe. Bis zum dritten Aufzug steigerte sich die Intensität spürbar, besonders in den Fieberträumen, in denen sein Leiden überzeugend gestaltet war.

Ulrike Schneider als Brangäne überzeugte mit einer lieblich geführten Stimme und stilistischer Sicherheit. Gerade diese Konsequenz führte jedoch dazu, dass sie in einigen Momenten klanglich etwas im Hintergrund blieb, da sie bewusst nicht ins Forcieren ging. Mathias Hausmann war ein sehr starker Kurwenal, ein markanter Bariton mit viel Präsenz und klarer Gestaltung, der auch in den kraftvolleren Passagen die Kontrolle behielt. Byung Gil Kim als König Marke blieb insgesamt solide. Die Stimme ist schön, doch in der Textgestaltung fehlte es stellenweise an Klarheit. Viel wurde eher durchgesungen, ohne die einzelnen Phrasen vollständig auszudeuten.

Am Ende bleibt eine Aufführung, die durch ihre szenische Klarheit, das herausragende Orchester und eine außergewöhnliche Isolde getragen wird. Kein Tristan, der auf Effekte setzt, sondern einer, der aus Atmosphäre, Entwicklung und musikalischer Ehrlichkeit seine Wirkung zieht.

Veit Störmer

It was the final performance of the run, and from the very beginning it was clear that everything was coming together one last time. At the center stood Elisabeth Teige, but this evening was more than just a star performance.

Scenically, this production belongs among the most convincing Tristan experiences. The stage design works with a rotating construction made of fragments of a destroyed shipwreck, which rearranges itself in each act, constantly creating new spaces. Nothing feels static. Everything remains in motion, as if the world itself is continuously reshaping.

A central idea is the large light frame at the front of the stage. Everything behind it belongs to the world of being, everything in front to what surrounds it, something transcendent, something intangible. This division is not just symbolic but consistently developed.

In the love duet, Tristan and Isolde have already crossed this threshold internally, while their doubles remain in the background, still in the real world, unable to find each other. The ending is particularly striking: Tristan is the first to cross the frame, taking that step ahead. Isolde follows him only in the Liebestod. This shift makes the scene even more intense. The eye contact between these two worlds is heartbreaking.

Musically, this was an evening of a very high level. With the Gewandhaus Orchestra, Leipzig has a sound body of immense quality at its disposal. Under Ivan Repušić, the performance developed from a place of calm and clarity. Over the course of the acts, the orchestra found an increasing flow that drew the audience deep into the drama.

In the fever dreams of the third act, this development reached a dense, almost overwhelming intensity. The dynamics were carefully shaped and released at exactly the right moments. At the same time, the dialogue scenes, especially at the end of the second act, were taken at a very brisk pace. This created something almost song-like, very direct and flowing, giving the musical line a clear direction and particularly benefiting Tristan.

Elisabeth Teige’s Isolde is a milestone. At a time when many interpretations either force the voice or rely on excessive vibrato for security, she finds a balance that avoids both. Her Isolde is a force of nature and at the same time beautiful. It is a loving Isolde, where acting and singing are fully aligned. Compared to her debut at Deutsche Oper Berlin, she has deepened the role and significantly increased her vocal volume. This development is remarkable and suggests many more outstanding performances to come.

Daniel Frank brings a great deal of Wagner experience to Tristan. His voice is very well managed, and he paces himself intelligently. The dialogue scenes in the first act were precise and clear, in the second act a warm, rounded tone emerged. By the third act, the intensity had grown noticeably, especially in the fever scenes, where his portrayal of suffering was convincing.

Ulrike Schneider as Brangäne impressed with a gently shaped voice and stylistic consistency. At times, however, this meant she remained somewhat in the background, as she deliberately avoided forcing the sound. Mathias Hausmann was a very strong Kurwenal, a distinctive baritone with presence and clear shaping, maintaining control even in the more powerful passages. Byung Gil Kim as King Marke was overall solid. The voice is beautiful, but the text was not always clearly articulated. Much felt more sung through than fully shaped in detail.

In the end, this was a performance carried by its scenic clarity, the outstanding orchestra, and an exceptional Isolde. Not a Tristan built on effects, but one that draws its strength from atmosphere, development, and musical honesty.

Veit Störmer

Era la última función de la serie, y desde el principio se percibía que todo se concentraba una vez más. En el centro estaba Elisabeth Teige, pero la velada fue más que una simple actuación estelar.

Escénicamente, esta producción se encuentra entre las experiencias de Tristán más convincentes. La escenografía trabaja con una estructura giratoria formada por fragmentos de un barco destruido, que se reorganiza en cada acto y crea constantemente nuevos espacios. Nada parece estático. Todo está en movimiento, como si el mundo se estuviera recomponiendo continuamente.

Una idea central es el gran marco de luz en la parte frontal del escenario. Todo lo que ocurre detrás pertenece al mundo del ser, todo lo que ocurre delante a lo que lo rodea, algo trascendente, intangible. Esta división no es solo simbólica, sino que se desarrolla de forma coherente.

En el dúo de amor, Tristán e Isolda ya han cruzado ese umbral internamente, mientras que sus dobles permanecen en el fondo, aún en el mundo real, incapaces de encontrarse. El final es especialmente impactante: Tristán es el primero en cruzar el marco, adelantándose. Isolda lo sigue solo en el Liebestod. Este desplazamiento intensifica la escena. Las miradas entre ambos mundos resultan desgarradoras.

Musicalmente, fue una velada de altísimo nivel. Leipzig cuenta con la Gewandhausorchester, una orquesta de enorme calidad. Bajo la dirección de Ivan Repušić, la interpretación se desarrolló desde una gran calma y claridad. A lo largo de los actos, la orquesta encontró un flujo cada vez mayor que arrastró al público hacia la historia.

En los delirios del tercer acto, esta evolución alcanzó una intensidad densa, casi abrumadora. La dinámica estuvo cuidadosamente construida y se liberó en los momentos justos. Al mismo tiempo, las escenas de diálogo, especialmente al final del segundo acto, se tomaron a un tempo muy ágil. Esto les dio un carácter casi de canción, muy directo y fluido, lo que ayudó especialmente a Tristán.

La Isolda de Elisabeth Teige es un hito. En un momento en el que muchas interpretaciones fuerzan la voz o se apoyan en un vibrato excesivo, ella encuentra un equilibrio que evita ambas cosas. Su Isolda es una fuerza de la naturaleza y, al mismo tiempo, bella. Es una Isolda que ama, donde interpretación y canto van de la mano. En comparación con su debut en la Deutsche Oper Berlin, ha profundizado el papel y ha ganado claramente en volumen. Este desarrollo es notable y hace esperar muchos más grandes momentos.

Daniel Frank aporta mucha experiencia wagneriana como Tristán. Su voz está muy bien gestionada y administra sus fuerzas con inteligencia. Las escenas de diálogo del primer acto fueron claras y precisas, en el segundo acto surgió una calidez en el sonido. En el tercer acto, la intensidad aumentó notablemente, especialmente en los delirios, donde su sufrimiento resultó convincente.

Ulrike Schneider como Brangania convenció con una voz lírica y un estilo cuidado. Sin embargo, en algunos momentos quedó algo en segundo plano precisamente por no forzar nunca el sonido. Mathias Hausmann fue un Kurwenal muy sólido, un barítono con presencia y claridad en la construcción del personaje. Byung Gil Kim como el rey Marke fue correcto en general. La voz es hermosa, pero la dicción no siempre fue clara y muchas frases parecían simplemente cantadas sin una elaboración más profunda.

Al final queda una interpretación sostenida por su claridad escénica, una orquesta excepcional y una Isolda extraordinaria. No es un Tristán de efectos, sino uno que construye su fuerza desde la atmósfera, el desarrollo y la honestidad musical.

Veit Störmer