Parsifal in Düsseldorf: Durch Mitleid Wissend

Die Wiederaufnahme von Parsifal an der Deutsche Oper am Rhein stand unter besonderen

Vorzeichen. Teile des Bühnenbildes hatten bei der Lagerung Schaden genommen, der

Regisseur Michael Thalheimer wurde erneut eingeladen, um insbesondere den zweiten

Aufzug weiter zu schärfen. Was zunächst nach technischer Notwendigkeit klingt, erwies sich

als künstlerischer Gewinn. Die Inszenierung wirkt nun noch konzentrierter, noch radikaler in

ihrem Zugriff auf das Thema der Wunde.

Blut ist hier kein Effekt, sondern Leitmotiv. Die Gralsgesellschaft trägt weiße Kutten, die

längst nicht mehr weiß sind. Sie sind verschmiert, befleckt, als sei die Reinheit, die sie

predigen, selbst zur Verletzung geworden. Amfortas blutet nicht allein. Sein Blut ist nur

sichtbarer. Die Gemeinschaft lebt von einer Askese, die das Begehren verleugnet und

gerade dadurch in Krankheit umschlägt. Lust und Blut stehen nicht als Gegensätze

nebeneinander, sie gehören zusammen. Wer das Begehren unterdrückt, verletzt sich selbst.

Wer es erkennt, kann vielleicht heilen.

Musikalisch wird dieser psychologische Zugriff von Christoph Gedschold getragen. Sein

Dirigat ist nuanciert und lyrisch grundiert. Er lässt sich Zeit für Phrasen, arbeitet einzelne

Orchesterstimmen fein heraus und baut lange Crescendi mit Geduld auf. Die Düsseldorfer

Symphoniker folgen ihm mit dunklem, atmendem Klang. Gerade in den dramatischen

Steigerungen entsteht eine Spannung, die nicht laut wirkt, sondern unausweichlich. Es ist

ein Parsifal, der aus der Stille wächst.

Im Zentrum steht Amfortas, gesungen von Bogdan Baciu. Sein dramatischer Bariton besitzt

Volumen und Wärme zugleich. Jede Phrase ist textlich durchdrungen, der Schmerz wird

nicht ausgestellt, sondern durchlebt. Man hört einen Menschen, der an seiner eigenen

Unfähigkeit leidet, Lust und Verantwortung zu vereinen. Sein Leiden geht unter die Haut.

Gurnemanz, verkörpert von Hans-Peter König, erscheint szenisch gebrochen, auf Krücken,

langsam, fast krank. Sein Gesang bleibt überwiegend lyrisch geführt. Nicht jede Stelle

überzeugt in der Durchschlagskraft, doch in den großen Erzählungen entfaltet er eine

eindringliche Ruhe. Gerade dort, wo er Geschichte erzählt, entsteht jene kontemplative

Tiefe, die diese Oper braucht. Wenn die blutverschmierten Knappen mit dem Rücken zur

Wand in den Zuschauerraum blicken, wird klar, dass auch die Hüter des Grals Teil der

Wunde sind.

Kundry wird von Sarah Ferede mit großer Wandlungsfähigkeit gestaltet. Im ersten Aufzug im

Anzug, kühl und distanziert. Im zweiten im roten Kleid, sinnlich und offensiv. Im dritten im

weißen Büßerhemd, später selbst blutverschmiert. Sie bleibt Fremdkörper und zugleich

Katalysator. Ihre silbrig gefärbte, breite Stimme hat etwas Verführerisches, ohne je ins

Vulgäre zu kippen. Jede Phrase trägt Bedeutung. Sie bringt die Botschaft, sie konfrontiert

Parsifal mit Lust und Erinnerung. In ihrer Figur wird deutlich, dass Erlösung nur über das

Durchschreiten der Versuchung möglich ist.

Klingsor, gesungen von Joachim Goltz, ist kein bloßer Dämon. Sein Charakterbariton ist

strapazierfähig, vibrierend, von innerer Spannung geprägt. Diese Inszenierung zeigt ihn als

Gegenbild zu Amfortas und doch als Spiegel. Auch er ist verletzt, seine Frömmigkeit ist

Selbstverstümmelung. Kundry erschießt ihn am Ende des zweiten Aufzugs. Er stirbt, weil er

glaubte, Lust bändigen zu müssen, statt sie zu verstehen.

Parsifal, dargestellt von Eduardo Aladrén, durchläuft sichtbar einen Erkenntnisweg. Im

ersten Aufzug ein lauschender Narr ohne Richtung. Im zweiten lernt er das Begehren

kennen. Im dritten erscheint er mit Clownsschminke, vom Leben gezeichnet, mit neuer

Schwere. Am Ende überreicht er den Speer Amfortas, der in den Hintergrund schreitet. Sein

Schicksal bleibt offen, doch die Wunde ist nicht mehr dieselbe. Stimmlich jedoch blieb

Parsifal hinter den Erwartungen zurück. Die Höhe klang angestrengt, die Diktion war

unscharf. Dramatik war vorhanden, doch nicht immer kontrolliert. Die Figur gewann stärker

durch das szenische Konzept als durch vokale Souveränität.

Der Chor der Deutschen Oper am Rhein ist ein entscheidender Träger des Abends. Tief

gefärbt und eindringlich im Klang, wirkt er wie das atmende Gewissen dieser Gesellschaft.

Am Ende steht der geteilte Chor links und rechts von Amfortas und zwingt ihn, den Gral ein

letztes Mal zu öffnen. Er scheint unter der Last dieser Gemeinschaft beinahe zu zerbrechen.

Der Gral erscheint als Licht aus der Höhe, wie ein göttlicher Strahl in der Mitte der Bühne.

Ein starkes, klares Bild. Parsifal enthüllt den Gral noch einmal. Nicht als Triumph, sondern

als Moment der Einsicht.

Dieser Parsifal verbindet Lust und Blut, Schuld und Erkenntnis. Erlösung ist hier kein

Wunder, sondern das Ergebnis einer schmerzhaften Einsicht. Ein in sich geschlossener,

musikalisch äußerst gelungener und gedanklich klarer Abend, der lange nachwirkt.

Veit Störmer

The revival of Parsifal at the Deutsche Oper am Rhein took place under particular

circumstances. Parts of the set had been damaged during storage, and director Michael

Thalheimer was invited back to further refine especially the second act. What initially

sounded like a technical necessity proved to be an artistic gain. The staging now appears

even more focused, more radical in its engagement with the theme of the wound.

Blood is not an effect here, but a guiding motif. The Grail community wears white robes that

are no longer white. They are smeared and stained, as if the purity they preach had itself

become an injury. Amfortas does not bleed alone. His blood is simply more visible. The

community lives by an asceticism that denies desire and thereby turns into illness. Lust and

blood are not opposites; they belong together. Whoever suppresses desire wounds himself.

Whoever recognizes it may perhaps heal.

Musically, this psychological approach is sustained by Christoph Gedschold. His conducting

is nuanced and lyrically grounded. He allows time for phrases, carefully shapes individual

orchestral lines, and builds long crescendi with patience. The Düsseldorfer Symphoniker

follow him with a dark, breathing sound. Especially in the dramatic surges, tension arises

that does not feel loud, but inevitable. This is a Parsifal that grows out of silence.

At the center stands Amfortas, sung by Bogdan Baciu. His dramatic baritone combines

volume and warmth. Every phrase is textually charged; the pain is not displayed, but lived

through. One hears a man suffering from his inability to reconcile desire and responsibility.

His anguish is deeply affecting.

Gurnemanz, portrayed by Hans-Peter König, appears physically broken, on crutches, slow,

almost ill. His singing remains predominantly lyrical. Not every passage convinces in terms

of projection, yet in the great narratives he unfolds an impressive calm. It is precisely there,

in the storytelling, that the contemplative depth this opera requires emerges. When the

blood-stained squires stand with their backs to the wall, staring into the audience, it becomes

clear that the guardians of the Grail themselves are part of the wound.

Sarah Ferede shapes Kundry with remarkable versatility. In the first act she appears in a

suit, cool and distant. In the second in a red dress, sensual and direct. In the third in a white

penitential garment, later smeared with blood herself. She remains both outsider and

catalyst. Her silvery, broad voice carries a seductive quality without ever becoming vulgar.

Every phrase has direction. She delivers the message, confronts Parsifal with desire and

memory. In her character it becomes evident that redemption is possible only through

passing through temptation.

Klingsor, sung by Joachim Goltz, is no mere demon. His character baritone is resilient,

vibrating, marked by inner tension. This staging presents him as both counterfigure and

mirror to Amfortas. He too is wounded; his piety is self-mutilation. Kundry shoots him at the

end of the second act. He dies because he believed desire must be subdued rather than

understood.

Parsifal, portrayed by Eduardo Aladrén, visibly undergoes a path of recognition. In the first

act he is a listening fool without direction. In the second he learns desire. In the third he

appears with clown’s makeup, marked by life, carrying new gravity. In the end he hands the

spear to Amfortas, who retreats into the background. His fate remains open, yet the wound

is no longer the same. Vocally, however, Parsifal did not fully convince. The upper register

sounded strained, the diction unclear. Dramatic intensity was present, but not always

controlled. The character gained more through the staging than through vocal authority.

The chorus of the Deutsche Oper am Rhein is a decisive pillar of the evening. Darkly colored

and penetrating in sound, it functions like the breathing conscience of this society. In the final

scene the divided chorus stands left and right of Amfortas, forcing him to open the Grail one

last time. He seems almost crushed under the weight of this community. The Grail appears

as light from above, like a divine beam shining onto the center of the stage. A powerful, clear

image. Parsifal reveals the Grail once more. Not as triumph, but as insight.

This Parsifal connects lust and blood, guilt and recognition. Redemption here is no miracle,

but the result of painful understanding. A cohesive, musically highly accomplished and

intellectually clear evening that lingers long after it ends.

Veit Störmer

La reposición de Parsifal en la Deutsche Oper am Rhein tuvo lugar bajo circunstancias

especiales. Partes del decorado habían sufrido daños durante el almacenamiento y el

director Michael Thalheimer fue invitado nuevamente para afinar sobre todo el segundo

acto. Lo que al principio parecía una necesidad técnica resultó ser una ganancia artística.

La puesta en escena se percibe ahora más concentrada y más radical en su aproximación

al tema de la herida.

La sangre no es aquí un efecto, sino un motivo central. La comunidad del Grial viste túnicas

blancas que hace tiempo dejaron de ser blancas. Están manchadas y cubiertas de sangre,

como si la pureza que predican se hubiera convertido en herida. Amfortas no es el único

que sangra; su sangre es simplemente más visible. La comunidad vive de una ascesis que

niega el deseo y precisamente por ello se convierte en enfermedad. Deseo y sangre no son

opuestos, pertenecen el uno al otro. Quien reprime el deseo se hiere a sí mismo. Quien lo

reconoce, quizá pueda sanar.

Musicalmente, este enfoque psicológico está sostenido por Christoph Gedschold. Su

dirección es matizada y de base lírica. Se toma tiempo para las frases, perfila

cuidadosamente las voces individuales de la orquesta y construye largos crescendi con

paciencia. Los Düsseldorfer Symphoniker lo siguen con un sonido oscuro y respirado. En

las grandes intensificaciones dramáticas surge una tensión que no resulta ruidosa, sino

inevitable. Es un Parsifal que nace del silencio.

En el centro se encuentra Amfortas, interpretado por Bogdan Baciu. Su barítono dramático

posee volumen y calidez a la vez. Cada frase está cargada de sentido textual; el dolor no se

exhibe, se vive. Se escucha a un hombre que sufre por su incapacidad de unir deseo y

responsabilidad. Su sufrimiento conmueve profundamente.

Gurnemanz, encarnado por Hans-Peter König, aparece escénicamente quebrado, con

muletas, lento, casi enfermo. Su canto se mantiene mayormente lírico. No cada pasaje

convence en proyección, pero en las grandes narraciones despliega una calma penetrante.

Es precisamente en esos relatos donde surge la profundidad contemplativa que esta ópera

necesita. Cuando los escuderos manchados de sangre miran hacia el público con la

espalda contra la pared, queda claro que también los guardianes del Grial forman parte de

la herida.

Sarah Ferede da vida a Kundry con gran capacidad de transformación. En el primer acto

viste traje, fría y distante. En el segundo, vestido rojo, sensual y directa. En el tercero,

primero con túnica blanca de penitente, luego también cubierta de sangre. Permanece como

cuerpo extraño y a la vez catalizadora. Su voz, de timbre plateado y amplio, posee una

cualidad seductora sin caer nunca en lo vulgar. Cada frase tiene dirección. Ella trae el

mensaje, confronta a Parsifal con el deseo y la memoria. En su figura se hace evidente que

la redención solo es posible atravesando la tentación.

Klingsor, interpretado por Joachim Goltz, no es un simple demonio. Su barítono de carácter

es resistente, vibrante y lleno de tensión interior. La puesta lo muestra como contrapunto y

espejo de Amfortas. También él está herido; su religiosidad es una forma de automutilación.

Kundry lo mata al final del segundo acto. Muere porque creyó que el deseo debía ser

dominado en lugar de comprendido.

Parsifal, interpretado por Eduardo Aladrén, recorre visiblemente un camino de

reconocimiento. En el primer acto es un necio que escucha, sin dirección. En el segundo

aprende el deseo. En el tercero aparece con maquillaje de payaso, marcado por la vida y

con nueva gravedad. Al final entrega la lanza a Amfortas, que se retira al fondo. Su destino

queda abierto, pero la herida ya no es la misma. Vocalmente, sin embargo, Parsifal no

convenció plenamente. El registro agudo sonó forzado y la dicción poco clara. La intensidad

dramática estaba presente, pero no siempre controlada. La figura ganó más por el concepto

escénico que por la autoridad vocal.

El coro de la Deutsche Oper am Rhein es un pilar decisivo de la velada. De timbre oscuro y

canto penetrante, funciona como la conciencia viva de esta sociedad. En la escena final el

coro dividido se sitúa a izquierda y derecha de Amfortas y lo obliga a abrir el Grial una

última vez. Él parece casi aplastado bajo el peso de la comunidad. El Grial aparece como

una luz desde lo alto, como un rayo divino iluminando el centro del escenario. Una imagen

fuerte y clara. Parsifal revela el Grial una vez más. No como triunfo, sino como

comprensión.

Este Parsifal une deseo y sangre, culpa y conocimiento. La redención no es aquí un

milagro, sino el resultado de una dolorosa toma de conciencia. Una velada coherente,

musicalmente lograda y conceptualmente clara, que permanece en la memoria.

Veit Störmer