Eugene Oneguin en Les Arts

Eugene Oneguin, Pyotr Ilyich Tchaikovsky

Les Arts, Valencia

La mayoría de las biografías dedicadas a Piotr Ilich Chaikovski sitúan el inicio de su relación con Antonina Miliukova a comienzos de mayo de 1877, en plena gestación de su futura ópera basada en la novela en verso Eugene Onegin. Según el propio compositor en sus cartas a Nadezhda von Meck, la rapidez de aquella intimidad —y del posterior matrimonio— estuvo marcada tanto por su identificación emocional con la heroína creada por Aleksandr Pushkin como por el deseo de no repetir la frialdad del protagonista literario frente a un amor sincero. A ello se sumaron las insistentes demandas de encuentro por parte de Miliukova, acompañadas de amenazas de suicidio en caso de rechazo. Que la idea operística no cristalizara hasta dos semanas después de la sugerencia formulada por la cantante Yelizaveta Lavróvskaya el 13/25 de mayo permite interpretar la elección del argumento como un reflejo directo de la situación personal del compositor: la confesión amorosa de una conocida lejana llegada por carta.

Esta confluencia entre biografía y creación artística recorre toda la trayectoria vital de Chaikovski, desde su nacimiento en 1840, su formación musical y el progresivo reconocimiento internacional alcanzado hasta su muerte en 1893. Su figura se consolidó como una de las más influyentes de la música rusa, precisamente por la intensidad con la que supo transformar experiencias íntimas —afectivas y emocionales— en materia sonora.

En la adaptación del libreto, realizada por el propio compositor con la colaboración limitada de Konstantin Shilovsky, Chaikovski evitó deliberadamente el espectáculo grandilocuente para centrarse en la verdad emocional de los personajes. Entre mayo y julio de 1877 avanzó con entusiasmo en la partitura, interrumpiendo brevemente el trabajo a causa de su matrimonio. Tras retomar la composición durante diversos viaje europeos, concluyó la obra entre finales de 1877 y comienzos de 1878. El estreno parcial tuvo lugar en 1878 en el Conservatorio de Moscú, mientras que la presentación completa se realizó el 17/29 de marzo de 1879 en el Teatro Maly. La primera interpretación profesional llegó en enero de 1881 en el Teatro Bolshói, antes de afianzarse en escenarios como el Teatro Mariinski y difundirse internacionalmente. Concebida como “escenas líricas” más que como ópera tradicional, la partitura revela la aspiración de Chaikovski a un drama íntimo, sostenido por la observación psicológica y la emoción contenida. En esa fusión entre lirismo musical y profundidad humana reside, aún hoy, la perdurable fuerza teatral de su Oneguin.

La pasada noche, el público del Palau de les Arts Reina Sofía tuvo la oportunidad de reencontrarse con Eugenio Oneguin en una nueva producción que confirma la vigencia dramática de la obra. El rol protagonista fue asumido por Mattia Olivieri, quien debutaba el personaje con una voz de timbre atractivo y color redondo, destacando especialmente por su convincente construcción actoral. Tras su ausencia por enfermedad en las primera función, el tenor Dmitry Korchak regresó para ofrecer un Lenski de gran dominio expresivo, cuidada dicción rusa y notable intensidad lírica, coronada por un emotivo «Kuda, kuda, kuda vi udalilis» que dejó al auditorio en silencio expectante. El conjunto femenino mostró solidez escénica y musical: Margarita Nekrasova como Filíppievna y Alison Kettlewell como Lárina aportaron presencia dramática y claridad narrativa, mientras que Corinne Winters delineó una Tatiana de conmovedora fragilidad y cuidada proyección. Por su parte, Ksenia Dudnikova ofreció una Olga de timbre rico en armónicos y energía luminosa sobre la escena. En intervenciones más breves, sobresalió Giorgi Manoshvili con un príncipe Gremin de noble lirismo en una de las arias más destacas de la ópera, «Lyubvi vse vozrasti pokorni», dejando entrever una técnica sólida y musicalidad refinada. Mark Milhofer dotó a Triquet de marcada personalidad escénica. El Coro de la Generalitat Valenciana, además de su solvencia vocal, asumió con eficacia la coreografía de Lionel Hoche, mientras que desde el Centre de Perfeccionament destacaron Filipp Modestov como capataz y Agshin Khudaverdiyev como Zaretski.

Al frente de la Orquesta de Les Arts, Timur Zangiev ofreció una lectura intensa y detallista, de impulso juvenil, subrayando la riqueza emocional de la partitura. Uno de los principales atractivos de esta coproducción de La Monnaie/De Munt y la Royal Danish Opera reside en la dirección escénica del renombrado director Laurent Pelly. Su propuesta, articulada en torno a una plataforma giratoria que evoca el paso del tiempo, demuestra que la sobriedad puede ser profundamente elocuente. La escenografía esencial de Massimo Troncanetti y la iluminación sugerente de Marco Giusti dialogan con naturalidad entre lo contemporáneo y lo romántico, manteniendo en todo momento la coherencia dramática de una de las óperas más universales del repertorio ruso.

Blanca Vázquez Canales

Most biographies devoted to Pyotr Ilyich Tchaikovsky place the beginning of his relationship with Antonina Milyukova in early May 1877, at the very moment when he was conceiving his future opera based on the verse novel *Eugene Onegin*. According to the composer’s own testimony in his letters to Nadezhda von Meck, the rapid development of that intimacy—and the subsequent marriage—was shaped both by his emotional identification with the heroine created by Aleksandr Pushkin and by his desire not to repeat the literary protagonist’s coldness toward a sincere love.

This was compounded by Milyukova’s insistent requests for meetings, accompanied by threats of suicide in the event of refusal. The fact that the operatic idea did not fully crystallize until two weeks after the suggestion made by the singer Yelizaveta Lavrovskaya on May 13/25 allows the choice of subject to be interpreted as a direct reflection of the composer’s personal situation: a distant acquaintance confessing her love in a letter.

This convergence of biography and artistic creation runs throughout Tchaikovsky’s life, from his birth in 1840 and musical training to the growing international recognition he achieved before his death in 1893. His figure became one of the most influential in Russian music precisely because of the intensity with which he transformed intimate—emotional and affective—experience into sound.

In adapting the libretto, undertaken by the composer himself with limited collaboration from Konstantin Shilovsky, Tchaikovsky deliberately avoided grand theatrical spectacle in order to focus on the emotional truth of the characters. Between May and July 1877 he advanced enthusiastically with the score, briefly interrupting work because of his marriage. After resuming composition during various travels in Europe, he completed the work between late 1877 and early 1878.

The partial premiere took place in 1878 at the Moscow Conservatory, while the complete performance was presented on March 17/29, 1879, at the Maly Theatre. The first professional performance followed in January 1881 at the Bolshoi Theatre, after which the work became established in major venues such as the Mariinsky Theatre and spread internationally. Conceived as “lyrical scenes” rather than a traditional opera, the score reveals

Tchaikovsky’s aspiration toward an intimate drama sustained by psychological observation and restrained emotion. In this fusion of musical lyricism and human depth lies the enduring theatrical power of his *Onegin*.

Last night, the audience at the Palau de les Arts Reina Sofía had the opportunity to rediscover *Eugene Onegin* in a new production that confirms the work’s lasting dramatic vitality. The title role was taken by Mattia Olivieri, making his debut in the character with an attractively timbred, rounded voice and especially convincing stage portrayal. After his absence due to illness in the first performance, the tenor Dmitry Korchak returned to offer a

Lensky of great expressive command, refined Russian diction, and notable lyrical intensity, crowned by a deeply moving “Kuda, kuda, kuda vy udalilis” that left the auditorium in expectant silence.

The female ensemble displayed both scenic and musical solidity: Margarita Nekrasova as Filippyevna and Alison Kettlewell as Larina contributed strong dramatic presence and narrative clarity, while Corinne Winters shaped a Tatiana of touching fragility and carefully projected lyricism. Ksenia Dudnikova, for her part, offered an Olga rich in harmonic color and radiant stage energy.

In shorter appearances, Giorgi Manoshvili stood out with a Prince Gremin of noble lyricism in one of the opera’s most celebrated arias, “Lyubvi vse vozrasti pokorni,” revealing solid technique and refined musicality. Mark Milhofer endowed Triquet with marked stage personality. The Cor de la Generalitat Valenciana, in addition to its vocal assurance, effectively assumed Lionel Hoche’s choreography, while members of the Centre de Perfeccionament included Filipp Modestov as the Captain and Agshin Khudaverdiyev as Zaretsky.

At the head of the Orquestra de Les Arts, Timur Zangiev delivered an intense and finely detailed reading of youthful impulse, underscoring the emotional richness of the score. One of the principal attractions of this co-production by La Monnaie/De Munt and the Royal Danish Opera lies in the stage direction of the renowned director Laurent Pelly. Structured around a revolving platform that evokes the passage of time, his concept demonstrates that restraint can be profoundly eloquent. The essential set design by Massimo Troncanetti and the evocative lighting by Marco Giusti create a natural dialogue between the contemporary and the romantic, maintaining throughout the dramatic coherence of one of the most universal operas in the Russian repertoire.

Blanca Vázquez Canales