Luisa Miller in Wien

Luisa Miller, Giuseppe Verdi

Wiener Staatsoper, Wien

February 7th 2026

Voices: Roberto Tagliavini, Freddie De Tommaso, Daria Sushkova, Marko Mimica, George Petean, Nadine Sierra, Teresa Sales Rebordão, Adrian Autard.

Conductor: Michele Mariotti. Director: Philipp Grigorian.

After 35 years, the Vienna State Opera has brought back Verdi’s often overlooked opera “Luisa Miller” as its third premiere of the season – being only the second production of this work in the history of the Haus am Ring. In an interesting staging by Philipp Grigorian, which offers a new perspective on the story, but lacks continuity and opens an discrepancy between the original plot and an aesthetic derived from pop culture and comics, it was mostly the orchestra and the cast of singers who convinced this premiere’s audience – above all, the fantastic Nadine Sierra in the title role.

In this production, there are no signs of a rural Tyrolian landscape, or the castle of a count avid for power or any elements of the story’s original time. Instead, director Philipp Grigorian transfers it into our present time: Luisa works at a company closely resembling a renowned shipping company, whereas Count Walter is presented as a mafia-style man of power, living in luxury and seemingly without basic human values, who prefers to spend his time in a decadent sauna. Before the plot set in these two contrasting worlds begins, we see a poor and deranged looking man at a Viennese bus station: Miller, Luisa’s father, who is obviously traumatised by the horrible loss of his daughter. It is from his perspective that the events of this opera unfold, told and depicted as his memory and imagination. This premise forms the central idea of Grigorian’s production and is enriched by a stage design in his typical style of Fantastic Realism. The phantasmagorical aesthetic, sometimes resembling that of modern video games, animated movies or a “psychedelic graphic novel”, as it is called in the notes about the production on the website, is enriched by citations of modern, mostly American, pop culture.

In the memory of Miller, which reminisces the events beginning at his daughter’s funeral, Luisa is represented by five dancers in the style of the most famous Disney princesses – very elegantly, with a lot of charm and sometimes even wit, danced by Julia Köhler, Tainá Ferreira Luiz, Kristina Ermolenok, Nina Cagnin and Lena Dobija in a choreography by Anna Abalikhina. Another association to American “culture”, not charming at all, but unfortunately currently much more present than Disney, arises with Walter’s guards, who show resemblance to agents of ICE, especially when they harshly captivate the princesses. One of the latter, dressed in white, seems to portray Luisa’s ghost; later, when Luisa’s and Rodolfo’s death draws nearer, they transform into an allegory of death regarding depictions of the danse macabre, dressed in highly beautiful costumes by Vlada Pomirkovanaya. Complementing the Disney princesses, Rodolfo is styled as a typical White Knight, with his father dressed as the Dark Knight as the antipode. Federica, on the other hand, seems more like a character out of the world of Marvel or DC comics. While these additions and interpretations may at first seem more like Luisa’s than Miller’s imagination, they can be explained by a dresser with dolls on top, looking like the toy version of the actual princesses and knights. It seems as if Miller is remembering his beloved daughter, whom he wanted to protect and offer a free and beautiful life to, as the young child she once was, which bestows the staging with a touching and bittersweet tone. Another added element connected to Luisa as an innocent, loved child is a big, red teddy bear as a birthday present for her from Rodolfo. This teddy bear turns into a symbol of their love and later comes to life – very sensibly played by Andrea Mühlbacher –, trying to bring comfort to Luisa and fight against Wurm and Walter.

These additions and the general idea of telling the story of “Luisa Miller” as the recapitulated,

therefore not always reliable and reshaped memory of Miller are interesting and emphasize the relation between father and daughter in a moving way. The elements of Luisa’s childhood create some touching or amusing scenes, but Grigorian’s aesthetic, though technically very well done, sometimes even quoting techniques of opera stagings from the Baroque era, is sometimes too shrill and almost childish for this dark story. Count Walter and his entourage are depicted as dark and dangerous, but overall, especially during the third act, the staging cannot reach the full emotional depth in its aesthetics. While this may be a question of everyone’s personal taste – and, judging from the almost overly harsh reaction, it did not please the taste of Vienna’s audience –, the bigger problem of Grigorian’s production’s fundamental idea is the lack of consistent storytelling, a guiding thread through the dream- and phantasy-like scenes. Many of the visual ideas become only partially clear, leaving too much room for not necessarily enriching speculation; others remain completely unclear, as for example the fact that Rodolfo lays down in a bed at the end of Act I. Overall, and with much appreciation for the idea of showing the story from Miller’s remembered point of view, too many questions about why things are depicted in this way remain unanswered. Especially the main question, if this comic style is not rather too comical for such a multifaceted and sorrowful story, evokes the feeling of discrepancy between staging and music.

The musical performance of this premiere, on the other hand, did not leave any questions or

wishes unfulfilled. Roberto Tagliavini gave an incredibly strong performance as Count Walter,

with a rich, powerful tone, great emotional interpretation and dictation, and an endearing presence on stage. His strong, hall-filling voice is always a pleasure to witness, even, or maybe especially, in such a dark, but majestic role. For Freddie De Tommaso, Rodolfo may not be the ideal role, and he could have shown a bigger interpretative range, but during the performance, he continuously managed to increase his vocal powers, showing an intense tone and convincing with an emotive interpretation during the final scenes before his character’s death.

Daria Sushkova as Federica first appeared to be a bit timid, maybe nervous, but during Act II, she offered a well-founded sound of intense quality that combined perfectly with her character’s rage, which she portrayed convincingly. An impressive performance was also given by Marko Mimica as Wurm, who managed to captivate this character’s sinister ambitions and the determination to do whatever needs to be done for his (or his master’s) will very well. In his voice, though sometimes slightly unstable, he offered a daunting tone that also managed to show his power captivatingly.

George Petean offered a deeply moving and vocally thoughtfully shaped performance as Miller. He convinces with a warm tone and an intelligent interpretation, showing how much he is truly feeling what he sings. During some passages, he struggled to find enough vigour against the orchestra and ensemble, which did not disturb this depiction of Miller as a hurt and traumatised father, though. Teresa Sales Rebordão managed to create beautiful moments as Laura, with a warm und resonating tone, especially during the passages with the choir. A solid performance also by Adrian Autard as a Bauer. Excellent and with both intense quality and soft, pastoral sounds was the Chor der Wiener Staatsoper.

The vocal highlight of the evening was, undoubtedly, Nadine Sierra as Luisa. During the first act, she still seemed to be holding her vocal powers back slightly, but they were fully unleashed after the intermission. In the coloraturas, she showed a great flexibility combined with a high control of her voice without restricting herself. The vocal change that is necessary throughout this opera was managed by Sierra in a very natural way that showed the inner emotional development of her character. Her rich, warm, and still bright sound, with a tasteful

vibrato and many slight changes in color, offered an impressive performance that presented

her as one of the, maybe even the best, Luisa Miller of current times.

As for the orchestra, this evening was yet another opportunity to witness what a great interpreter of Verdi the Orchester der Wiener Staatsoper is. This was already noticeable during the recent run of “La Traviata” in Vienna, which ended just a day before this premiere. Conductor Michele Mariotti managed to emphasize the highly energetic interpretation, which is neither plump nor too elegant, but instead combines the strong rhythmical foundation of Verdi’s music with a dance-like elegance. With much precision in the articulation, the orchestra still did not hold back any necessary energy to fill the music with life. In the more intimate passages, the orchestra offered an intense sound and many emotional facets. Particularly impressive were the clarinet solos, with a pianissimo that seemed to arise from nowhere and developed into a highly artistic, heartfelt quality.

With much precision in the articulation, the orchestra still did not hold back any necessary energy to fill the music with life. In the more intimate passages, the orchestra offered an intense sound and many emotional facets. Particularly impressive were the clarinet solos, with a pianissimo that seemed to arise from nowhere and developed into a highly artistic, heartfelt quality.

Elena Deinhammer

Photos: © Susanne Hassler-Smith

Nach 35 Jahren kehrt Verdis oft zu wenig beachtete Oper „Luisa Miller“ als dritte Premiere der Spielzeit – und erst zweite Produktion dieses Werks in der Geschichte des Hauses am Ring – an die Wiener Staatsoper zurück. In einer interessanten Inszenierung von Philipp Grigorian, die zwar eine neue Perspektive auf die Geschichte eröffnet, aber auch eine Diskrepanz zwischen der ursprünglichen Handlung und einer der Pop-Kultur und Comics entnommenen Ästhetik entstehen lässt, waren es vor allem das Orchester und das Sängerensemble, die das Premierenpublikum überzeugen konnten – allen voran eine hervorragende Nadine Sierra in der Titelrolle.

In dieser Inszenierung sind keine Hinweise auf eine ländliche Tiroler Landschaft, das Schloss eines machthungrigen Grafen oder jegliche Elemente der ursprünglichen Zeit der Handlung zu finden. Stattdessen verlagert Regisseur Philipp Grigorian das Geschehen in die heutige Zeit: Luisa arbeitet in einem Unternehmen, das stark einem bekannten Versandunternehmen ähnelt, während Graf Walter als mafiöser Mann von Macht gezeichnet wird, der luxuriös und scheinbar ohne grundlegende menschliche Werte lebt und seine Zeit in einer dekadenten Sauna verbringt.

Bevor die in diesen kontrastierenden Welten angesiedelte Handlung beginnt, wird ein armer, heruntergekommener Mann an einer Wiener Bushaltestelle sichtbar: Es ist Miller, Luisas Vater, offensichtlich traumatisiert durch den schrecklichen Verlust seiner Tochter. Aus seiner Perspektive entfalten sich nun die Ereignisse dieser Oper, erzählt und verbildlicht als seine Erinnerung und Vorstellung. Diese Prämisse stellt die zentrale Idee von Grigorians Inszenierung dar und wird durch eine Bühnengestaltung in dem für ihn typischen Stil des Fantastischen Realismus bereichert. Die phantasmagorische Ästhetik, die manchmal an moderne Videospiele, animierte Filme oder einen „psychedelisch angehauchten Graphic Novel“ erinnert, wie sie auf der Homepage bezeichnet wird, wird erweitert durch Zitate aus der modernen, vorrangig amerikanischen, Popkultur. In Millers Erinnerung, die bei der Beerdigung seiner Tochter einsetzt, wird Luisa durch fünf Tänzerinnen im Stil der bekanntesten Disney-Prinzessinnen dargestellt – sehr elegant und mit großem Charme, zum Teil auch Witz, verkörpert durch Julia Köhler, Tainá Ferreira Luiz, Kristina Ermolenok, Nina Cagnin und Lena Dobija in einer Choreografie von Anna Abalikhina. Eine weitere Assoziation mit amerikanischer „Kultur“, die jedoch nicht charmant, aber aktuell leider um einiges präsenter ist als Disney, entsteht durch Walters Wächter, die Ähnlichkeit mit Agenten der ICE aufweisen, besonders bei ihrer Festnahme der Prinzessinnen. Eine dieser, in Weiß gekleidet, scheint Luisas Geist zu repräsentieren; später, wenn Luisas und Rodolfos Tod näher rückt, verwandeln sich die Prinzessinnen in eine Allegorie des Todes, die an Darstellungen des danse macabre erinnern – gekleidet in äußerst beeindruckende Kostüme von Vlada Pomirkovanaya. In Ergänzung zu den Disney-Prinzessinnen wird Rodolfo als typischer „White Knight“ stilisiert, mit seinem Vater, dem dunklen Ritter, als Gegenspieler. Federika hingegen scheint eher der Welt der Marvel oder DC Comics entstiegen zu sein. Obwohl diese Ergänzungen und Interpretationen auf den ersten Blick mehr wie Luisas denn Millers Vorstellung zu entspringen scheinen, werden sie durch eine Kommode, auf der sich einige Puppen befinden, die wie Spielzeugversionen der tatsächlichen Prinzessinnen und Ritter aussehen, klarer. Es scheint, als würde Miller seine Tochter, die er beschützen und der er ein freies, schönes Leben ermöglichen wollte, als junges Mädchen erinnern. Dies verleiht der Inszenierung eine berührende, bittersüße Dimension. Ein weiteres ergänztes Element in Verbindung mit Luisa als unschuldigem, geliebtem Kind stellt ein großer roter Teddybär dar, den sie als Geburtstagsgeschenk von Rodolfo erhält. Dieser wird zum Symbol für ihre Liebe und später zum Leben erweckt – sehr einfühlsam gespielt von Andrea Mühlbacher –, wonach er versucht, Luisa Geborgenheit zu schenken und gegen Wurmund Walter anzukämpfen.

Diese Ergänzungen und die grundlegende Idee, die Geschichte als rekapitulierte, deshalb nicht immer verlässliche und überformte Erinnerung Millers zu erzählen, ist interessant und betont die Beziehung zwischen Vater und Tochter auf einfühlsame Weise. Die Elemente aus Luisas Kindheit sorgen für berührende oder auch amüsante Szenen, allerdings ist Grigorians Ästhetik, wenngleich technisch mit hoher Qualität und zum Teil mit Anklängen an die Bühnentechnik der Barockoper umgesetzt, zu schrill und beinahe kindisch für diese düstere Geschichte. Graf Walter und seine Entourage werden als dunkel und gefährlich dargestellt, doch in Summe, besonders im dritten Akt, gelingt es der Inszenierung nicht, eine emotionale Tiefe auch ästhetisch zu erreichen. Während dies eine Frage des persönlichen Geschmacks sein mag – und der beinahe zu heftigen Reaktion nach zu urteilen, dürfte es den Geschmack des Wiener Publikums nicht getroffen haben –, besteht das größere Problem von Grigorians grundlegender Idee darin, dass es ihr an Konsistenz, einem roten Faden mangelt, der durch die Traum- und Fantasieszenen führt. Zahlreiche Ideen werden nur teilweise klar und lassen großen Raum für nicht zwingend bereichernde Spekulation, andere bleiben völlig im Unklaren, etwa die Tatsache, dass sich Rodolfo zum Schluss des ersten Aktes in ein Bett legt. Insgesamt, und bei großer Wertschätzung der Idee, die Handlung aus Millers erinnerter Perspektive zu erzählen, bleiben zu viele Fragen, warum die Dinge auf diese Weise dargestellt werden, unbeantwortet.

Vor allem die zentrale Frage, ob dieser Comic-Stil nicht allzu komisch ist für ein so facettenreiches, betrübliches Stück, lässt das Gefühl einer Diskrepanz zwischen Inszenierung und Musik aufkommen. Die musikalische Darbietung ließ bei dieser Premiere jedoch wenig Fragen oder Wünsche offen. Roberto Tagliavini bot eine äußerst starke Darstellung des Grafen von Walter, mit einem kräftigen, intensiven Ton, großer emotionaler Bandbreite in der Interpretation und einer eindrücklichen Bühnenpräsenz. Seine eindringliche, raumfüllende Stimme ist stets ein Erlebnis, sogar, oder gerade, in solch düsteren, doch majestätischen Rollen.

Rodolfo mag für Freddie De Tommaso nicht die ideale Rolle sein, so hätte er eine größere interpretatorische Varianz zeigen können, doch gelang es ihm, seine stimmliche Kraft im Laufe des Abends stetig zu steigern. Er zeigte einen intensiven Klang und besonders in den Szenen vor Rodolfos Tod eine bewegende Interpretation.

Daria Sushkova als Federica schien zuerst etwas zurückhaltend, beinahe nervös zu sein, doch während des zweiten Aktes präsentierte sie einen gut fundierten Klang mit intensiver Qualität, der sich gut mit der Wut ihrer Figur vereinte. Eine beeindruckende Darbietung gelang Marko Mimica als Wurm, der dessen düstere Absichten und Entschlossenheit, alles zu tun, um seinen (oder seines Herren) Willen zu erreichen, überzeugend darzustellen vermochte. In seiner Stimme, die gelegentlich etwas unsicher klang, zeigte er einen eindringlichen und einnehmenden Ton.

George Petean überzeugte mit einer sehr bewegenden und stimmlich durchdacht gestalteten

Darstellung von Miller. Er beeindruckt mit warmem Timbre und einer intelligenten Interpretation, an der zu merken ist, wie sehr er das Gesungene fühlt. In einigen Passagen fehlte ihm eine gewisse Durchschlagskraft, was jedoch zu der Darstellung Millers als verletzlichen, traumatisierten Vater passt. Teresa Sales Rebordão gelangen mit warmem, klingendem Ton schöne Momente als Laura, besonders während der Passagen mit Chor. Auch Adrian Autard lieferte als Bauer eine solide Darbietung. Hervorragend und sowohl mit intensiver Qualität als auch weichen, pastoralen Klängen präsentierte sich der Chor der Wiener Staatsoper.

Der gesangliche Höhepunkt des Abends war ohne Zweifel Nadine Sierra als Luisa. Während

des ersten Akts schien sie ihre stimmliche Kraft noch etwas zurückzuhalten, doch gelangte diese nach der Pause zum vollen Durchbruch. Sie bewies hohe Flexibilität in den Koloraturen, mit beeindruckender Kontrolle der Stimme, ohne sich einzuschränken. Die stimmliche Verwandlung, die diese Oper verlangt, gelang Sierra auf natürliche Weise, die auch die emotionale Entwicklung ihrer Figur widerspiegelte. Ihr intensiver, warmer und doch heller Klang, vereint mit geschmackvollem Vibrato und zahlreichen Facetten in der Klangfarbe, führte zu einer beeindruckenden Interpretation, die sie als eine der, wenn nicht die beste Luisa Miller der aktuellen Zeit auswies.

Mit Blick auf das Orchester stellte die Premiere eine weitere Gelegenheit dar, zu vernehmen,

welch großartiger Interpret der Verdi’schen Musik das Orchester der Wiener Staatsoper ist. Dies war bereits in der diesjährigen Serie von „La Traviata“ zu merken, die nur einen Tag vor dieser Premiere zu Ende ging. Dirigent Michele Mariotti gelang es, diese energiegeladene Interpretation zu unterstreichen, die weder plump noch zu elegant ist, sondern stattdessen ein starkes rhythmisches Fundament mit einer beinahe tänzerischen Eleganz vereint. Trotz hoher Präzision in der Artikulation hielt das Orchester die notwendige Energie nicht zurück, um der Musik ihr Leben zu geben. In den intimeren Passagen entfaltete sich ein intensiver Klang mit zahlreichen emotionalen Facetten. Besonders beeindruckend waren die Klarinettensolos, mit einem Pianissimo, das aus dem Nichts zu erstehen schien und sich zu hochkünstlerischer, gefühlvoller Qualität steigerte.

Elena Deinhammer

Tras 35 años, la Ópera Estatal de Viena ha recuperado la ópera de Verdi, a menudo olvidada, "Luisa Miller", en su tercer estreno de la temporada, siendo tan solo la segunda producción de esta obra en la historia de la Haus am Ring. En una interesante puesta en escena de Philipp Grigorian, que ofrece una nueva perspectiva de la historia, pero carece de continuidad y plantea una discrepancia entre la trama original y una estética derivada de la cultura pop y el cómic. Fueron principalmente la orquesta y el elenco de cantantes quienes convencieron al público de este estreno, sobre todo a la fantástica Nadine Sierra en el papel principal.

En esta producción, no hay rastros de un paisaje rural tirolés, ni del castillo de un conde ávido de poder, ni de ningún elemento de la época original de la historia. En cambio, el director Philipp Grigorian la traslada a nuestra época actual: Luisa trabaja en una empresa muy similar a una renombrada naviera, mientras que el conde Walter se presenta como un hombre de poder mafioso, que vive en el lujo y aparentemente sin valores humanos básicos, y que prefiere pasar el tiempo en una sauna decadente. Antes de que comience la trama ambientada en estos dos mundos contrastantes, vemos a un hombre pobre y de aspecto perturbado en una estación de autobuses vienesa: Miller, el padre de Luisa, quien está evidentemente traumatizado por la terrible pérdida de su hija. Es desde su perspectiva que se desarrollan los acontecimientos de esta ópera, narrados y representados como su memoria e imaginación. Esta premisa constituye la idea central de la producción de Grigorian y se enriquece con una escenografía de su característico estilo de realismo fantástico. La estética fantasmagórica, que a veces recuerda a la de los videojuegos modernos, las películas de animación o una «novela gráfica psicodélica», como se la denomina en las notas sobre la producción en el sitio web, se enriquece con referencias a la cultura pop moderna, principalmente estadounidense.

En memoria de Miller, que rememora los sucesos del funeral de su hija, Luisa es representada por cinco bailarinas al estilo de las princesas Disney más famosas: con gran elegancia, encanto y, a veces, incluso ingenio, interpretadas por Julia Köhler, Tainá Ferreira Luiz, Kristina Ermolenok, Nina Cagnin y Lena Dobija en una coreografía de Anna Abalikhina. Otra asociación con la "cultura estadounidense", nada encantadora, pero lamentablemente mucho más presente que Disney, surge con los guardias de Walter, que se asemejan a agentes del ICE, especialmente cuando cautivan brutalmente a las princesas. Uno de estos últimos, vestido de blanco, parece representar el fantasma de Luisa; más tarde, al acercarse la muerte de Luisa y Rodolfo, se transforman en una alegoría de la muerte, similar a las representaciones de la danza macabra, ataviados con bellísimos trajes de Vlada Pomirkovanaya. Como complemento de las princesas Disney, Rodolfo luce el estilo de un típico caballero blanco, con su padre vestido como el caballero oscuro como antípoda. Federica, por otro lado, parece más un personaje del mundo de los cómics de Marvel o DC. Si bien estos añadidos e interpretaciones pueden parecer, a primera vista, más propios de Luisa que de la imaginación de Miller, se explican con una cómoda con muñecas encima, que parecen la versión de juguete de las princesas y caballeros reales. Parece como si Miller recordara a su amada hija, a quien quería proteger y ofrecer una vida libre y hermosa, como la niña que una vez fue, lo que le da a la puesta en escena un tono conmovedor y agridulce. Otro elemento añadido, vinculado a Luisa como una niña inocente y querida, es un gran oso de peluche rojo que Rodolfo le regaló por su cumpleaños. Este oso de peluche se convierte en símbolo de su amor y luego cobra vida —interpretado con gran sensatez por Andrea Mühlbacher—, intentando consolar a Luisa y luchar contra Wurm y Walter.

Estas adiciones y la idea general de contar la historia de “Luisa Miller” como un recuerdo recapitulado, no siempre fiable y reconstruido, de Miller resultan interesantes y enfatizan la relación entre padre e hija de forma conmovedora. Los elementos de la infancia de Luisa crean escenas conmovedoras o divertidas, pero la estética de Grigorian, aunque técnicamente muy bien lograda, a veces incluso citando técnicas de puestas en escena de ópera del Barroco, resulta en ocasiones demasiado estridente y casi infantil para esta oscura historia. El conde Walter y su séquito son retratados como oscuros y peligrosos, pero en general, especialmente durante el tercer acto, la puesta en escena no alcanza la profundidad emocional completa de su estética. Si bien esto puede ser cuestión de gustos personales —y, a juzgar por la reacción casi excesivamente dura, no agradó al público vienés—, el mayor problema de la idea fundamental de la producción de Grigorian es la falta de una narrativa coherente, un hilo conductor a través de las escenas oníricas y fantásticas. Muchas de las ideas visuales se vuelven sólo parcialmente claras, dejando demasiado espacio para especulaciones no necesariamente enriquecedoras; otras permanecen completamente confusas, como por ejemplo el hecho de que Rodolfo se acueste en una cama al final del Acto I. En general, y con mucha aprobación, a pesar de la admiración por la idea de mostrar la historia desde el punto de vista de Miller, quedan sin respuesta muchas preguntas sobre por qué se representan las cosas de esta manera. Especialmente la pregunta principal, si este estilo cómico no resulta demasiado cómico para una historia tan multifacética y dolorosa, evoca la sensación de discrepancia entre la puesta en escena y la música.

La interpretación musical de este estreno, por otro lado, no dejó ninguna duda ni deseo sin cumplir. Roberto Tagliavini ofreció una actuación increíblemente sólida como conde Walter, con un tono rico y potente, una interpretación y dictado emotivos y una presencia entrañable en escena. Su voz potente y envolvente siempre es un placer, incluso, o quizás especialmente, en un papel tan oscuro pero majestuoso. Para Freddie De Tommaso, Rodolfo puede no ser el papel ideal, y podría haber mostrado un mayor rango interpretativo, pero durante la actuación, logró aumentar continuamente su potencia vocal, mostrando un tono intenso y convenciendo con una interpretación emotiva durante las escenas finales antes de la muerte de su personaje. Daria Sushkova, como Federica, al principio parecía algo tímida, quizás nerviosa, pero durante el segundo acto, ofreció un sonido sólido e intenso que combinaba a la perfección con la furia de su personaje, la cual interpretó de forma convincente. Marko Mimica también ofreció una actuación impresionante como Wurm, quien logró capturar a la perfección las siniestras ambiciones de este personaje y su determinación de hacer lo que sea necesario por su voluntad (o la de su amo). Con su voz, aunque a veces algo inestable, ofreció un tono imponente que también logró mostrar su poder de forma cautivadora.

George Petean ofreció una interpretación profundamente conmovedora y vocalmente meditada como Miller. Convence con un tono cálido y una interpretación inteligente, mostrando cuánto siente realmente lo que canta. En algunos pasajes, le costó encontrar el vigor suficiente frente a la orquesta y el conjunto, lo que, sin embargo, no perturbó esta representación de Miller como un padre herido y traumatizado. Teresa Sales Rebordão logró crear momentos hermosos como Laura, con un tono cálido y resonante, especialmente durante los pasajes con el coro. Adrian Autard también brilló como Bauer. El Chor der Wiener Staatsoper fue excelente, con una calidad intensa y sonidos suaves y pastorales.

El punto culminante vocal de la noche fue, sin duda, Nadine Sierra como Luisa. Durante el primer acto, pareció contener un poco su potencial vocal, pero lo desplegó por completo tras el intermedio. En las coloraturas, mostró una gran flexibilidad combinada con un alto control de su voz sin restricciones. El cambio vocal, necesario a lo largo de esta ópera, fue manejado por Sierra con gran naturalidad, mostrando el desarrollo emocional interno de su personaje. Su sonido rico, cálido y a la vez brillante, con un vibrato elegante y numerosos cambios de color, ofreció una actuación impresionante que la presentó como una de las mejores Luisas Miller de la actualidad, quizás incluso la mejor.

En cuanto a la orquesta, esta noche fue una nueva oportunidad para presenciar la grandeza de la Orchester der Wiener Staatsoper, intérpretes de Verdi. Esto ya se hizo patente durante sus interpretaciones de estos últimos meses, como la reciente "La Traviata", que finalizó justo un día antes de este estreno. El director Michele Mariotti logró enfatizar la enérgica interpretación, que no resulta recargada ni demasiado elegante, sino que combina la sólida base rítmica de la música de Verdi con una elegancia bailable. Con gran precisión en la articulación, la orquesta no escatimó la energía necesaria para llenar la música de vida. En los pasajes más íntimos, la orquesta ofreció un sonido intenso y lleno de emotividad. Particularmente impresionantes fueron los solos de clarinete, con un pianissimo que parecía surgir de la nada y se transformó en una cualidad altamente artística y emotiva.

Elena Deinhammer