Cathedrals of Sound and Autumn Light: Bruckner and Mendelssohn by Balanas and Bihlmaier

Kristine Balanas and Anja Bihlmaier

OBC, Coral Sant Jordi and Cor participatiu

L'Auditori, Barcelona

16.05.2026

On Saturday, May 16, 2026, L’Auditori hosted the OBC concert under the direction of the German conductor Anja Bihlmaier. The evening began with the world premiere of the monumental symphonic work Domèstica Maragda, composed by the Catalan Helena Cánovas. The piece required not only an enormous orchestral ensemble, but also the presence of very large choirs, provided by the Coral Sant Jordi and by the choir assembled through the participatory project “Sing with the OBC.” The extremely young composer presented a megalithic work both in its harmonic orchestration and its choral architecture. It was a sonorous monument of considerable interest; nevertheless, the text itself came across as comic and surrealist. Unfortunately, Surrealism ended almost a century ago, and one feels that everything within that aesthetic had already been said. The work was aesthetically fascinating and beautiful, performed with remarkable precision by all those involved, yet, as often happens with contemporary compositions, it also reinforced the feeling that “classical” music has not truly evolved for decades.

Suddenly, we were transported back to 1844 with one of the most melancholic concertos of German Romanticism. The Violin Concerto No. 2 in E minor, Op. 64 is a symphonic song that seems to emerge from a place where melancholy and light coexist without conflict. The violin becomes a human voice slowly crossing silence and memory. There is none of the fierce drama of Beethoven or Brahms, but instead a delicate, captivating nostalgia that is almost impossible to explain.

Kristine Balanas, holding her Antonio Gragnani violin, sought from the very first moment a delicate and restrained dialogue with the orchestra, free of artifice, yet shaped by a purity of tone that transported us directly into autumn. An autumn in which a bird suspended above the still lake of the orchestra — the violin — sings and sighs softly. There were moments of recollection and sonic peace in which the melody emerged slowly, while in others a contained emotion arose through the violin’s lyricism. Balanas captures each of these nuances with extraordinary sonic delicacy and a brilliant timbre, never appearing unsettled or fatigued despite performing in an advanced stage of pregnancy.

Many times the violin seemed almost to speak in secret within its intimacy with the orchestra, with a technical perfection that made Mendelssohn’s concerto appear deceptively easy. In Balanas’s hands, the violin became the very breath of nature itself, a shared memory of a concerto once heard long ago, allowing us to participate in the intimacy of her interpretation. At times, Mendelssohn’s tender and inward emotional force seemed transformed into a beautiful lullaby which the violinist sang with all her emotional intensity to the child she carried within her.

Balanas, like the rest of her family, is a genius, and as such she made Mendelssohn’s concerto resonate with a beauty that seemed not of this world. She perfectly captured the inward-looking Romantic character of the work without ever falling into superficial or excessive virtuoso display, something entirely inappropriate for this music. With her, the concerto acquired an intensely Nordic character that suited it magnificently.

In the final movement, the concerto gave the violin a fleeting yet disturbing quality, like a firebird passing rapidly before us and leaving behind the sensation of having heard something extraordinarily beautiful yet ephemeral, like a dream still vibrating long after it has vanished. Such is also the art of Balanas: days after hearing her play, the crystalline depth of her sound remains unforgettable in the memory.

Balanas offered an extraordinary encore together with several of the OBC string principals, a piece distinguished equally by its strength and by the choral delicacy of all the performers involved.

Bruckner’s symphonies seem built from stone, silence, and faith. They are immense sonic cathedrals in which every motif rises slowly until it becomes an almost spiritual experience. In front of the Third Symphony, the so-called “Wagner Symphony,” Anja Bihlmaier demonstrated a highly defined musical personality and a very particular understanding of Bruckner’s universe. Although the opening still felt somewhat uneven, the interpretation gradually grew into moments of tremendous intensity and refinement.

The beginning of the first movement sounded excessively forceful, particularly because of the almost aggressive prominence of the percussion, which at times overshadowed the rest of the orchestral texture. Yet as the work progressed, the conductor found a much more natural balance between the various sections, and it was above all from the *Andante* onward that the reading acquired true expressive depth.

Bihlmaier deliberately avoided the monumental and severe vision so often associated with Bruckner. Instead, she opted for a more flexible and fluid sonority, almost organic in nature, allowing the phrases to breathe freely. The strings stood out especially for their ability to sing with elegance and transparency, creating moments of remarkable delicacy.

The Scherzo surprised through an agility rarely encountered in this symphony. Far from sounding heavy or excessively solemn, the music advanced with impulse and dynamism, as though the conductor sought to liberate Bruckner from his most earthly weight. Even in passages dominated by brass and percussion, there remained a clear intention to preserve lightness of texture and constant movement.

In the final movement, Bihlmaier managed the great sonic accumulations of the score with intelligence and precision. The eruptions of the brass always appeared integrated within a coherent and carefully shaped discourse, never losing control or clarity. The result was an interpretation of considerable intensity that nevertheless avoided excess and grandiloquence.

Rather than seeking solemn transcendence, this “Wagner” Symphony seemed to explore a more human and sensitive spirituality, less connected to monumentality and closer to the very breath of music itself. With this interpretation, Anja Bihlmaier once again confirmed herself as a conductor capable of bringing personal ideas and a distinctive perspective to a repertoire as immense as Bruckner’s.

Dr. Eloi de Tera

El dissabte 16 de maig de 2026 va tenir lloc a L’Auditori el concert del cicle OBC sota la direcció de la directora alemanya Anja Bihlmaier. El concert començà amb l’estrena mundial de la peça simfònica monumental titulada Domèstica Maragda, composta per la catalana Helena Cánovas. La peça requeria no sols una composició orquestral enorme, sinó també la presència d’uns cors molt nombrosos, coberts per la Coral Sant Jordi i per la coral constituïda dins del projecte participatiu “Canta amb l’OBC”. La joveníssima compositora ens presentà una obra megalítica tant en l’orquestració harmònica com en l’estructura coral. Un monument sonor prou interessant; nogensmenys, la lletra resultava còmica i surrealista. Llàstima, però, que el surrealisme fa gairebé un segle que es va acabar i que ja semblava haver-ho dit tot. Una peça estèticament interessant i bella, interpretada amb gran precisió per part de tots els implicats, però que, com passa sovint amb moltes composicions actuals, confirma la sensació que la música “clàssica” fa dècades que no evoluciona realment.

De sobte retornàrem al 1844 amb un dels concerts més melancòlics del romanticisme alemany. El *Concert per a violí núm. 2 en mi menor, op. 64* és un cant simfònic que sembla sorgir d’un espai on la melangia i la llum conviuen sense xocar entre elles. El violí esdevé una veu humana que travessa lentament el silenci i els records. No hi ha el dramatisme ferotge de Beethoven o Brahms, sinó una nostàlgia delicada, captivadora i difícil d’explicar.

Kristine Balanas, amb el seu Antonio Gragnani a les mans, va buscar des del primer instant un diàleg delicat i sobri amb l’orquestra, sense artificis, però articulant una puresa tímbrica que semblava traslladar-nos a la tardor. Una tardor on un ocell suspès sobre el llac immòbil de l’orquestra — el violí — canta i sospira lleument. Hi hagué moments de recolliment i de pau sonora en què la melodia emergia lentament, mentre que en altres instants apareixia una emoció continguda sostinguda pel lirisme del violí. Balanas sap captar cadascun d’aquests matisos amb una delicadesa sonora i un timbre brillant extraordinaris, sense immutar-se ni mostrar cansament, malgrat trobar-se en un avançat estat de gestació.

Moltes vegades el violí semblava parlar gairebé en secret dins la seva intimitat amb l’orquestra, amb una perfecció tècnica que feia que el concert de Mendelssohn semblés quelcom fàcil. En mans de Balanas, el violí es convertia en la respiració mateixa de la natura, en la memòria compartida d’un concert escoltat fa temps, deixant-nos participar de la intimitat de la seva interpretació. En alguns moments, la força íntima i tendra de Mendelssohn semblava transformar-se en una meravellosa cançó de bressol que la violinista dedicava amb tota la seva intensitat emocional al descendent que portava dins seu.

Balanas, com tota la seva família, és un geni, i com a tal feu sonar el concert de Mendelssohn amb una bellesa que no sembla d’aquest món. Aconsegueix captar perfectament el caràcter interiorista i romàntic d’aquest Mendelssohn sense caure en l’ostentació virtuosística i superficial, tan poc adequada per a aquesta obra. Amb ella, la peça adquiria un caràcter intensament nòrdic que li esqueia perfectament.

En el darrer moviment, el concert conferia al violí una fugacitat breu però pertorbadora, com un ocell de foc que travessa veloçment l’espai davant nostre i ens deixa la sensació d’haver escoltat quelcom bellíssim però efímer, com un somni que encara vibra quan ja ha desaparegut. Així és també l’art de Balanas: dies després d’haver-la escoltat, la profunditat cristal·lina del seu so continua essent inesborrable en la memòria.

Balanas oferí un bis extraordinari juntament amb alguns dels solistes de corda de l’OBC, una peça que destacà tant per la força com per la delicadesa coral de tots els intèrprets.

Les simfonies de Bruckner semblen construïdes amb pedra, silenci i fe. Són edificis sonors immensos on cada motiu s’eleva lentament fins a convertir-se en una experiència gairebé espiritual. Davant de la Tercera Simfonia, la coneguda “Wagner”, Anja Bihlmaier demostrà una personalitat musical molt definida i una manera molt particular d’entendre aquest univers brucknerià. Tot i un inici encara una mica irregular, la interpretació anà creixent fins a assolir moments d’una gran intensitat i refinament.

El començament del primer moviment resultà excessivament contundent, especialment per la presència gairebé agressiva de la percussió, que en alguns moments eclipsava la resta del teixit orquestral. Però, a mesura que l’obra avançava, la directora trobà un equilibri molt més natural entre les diferents seccions, i fou sobretot a partir de l’*Andante* quan la lectura adquirí una veritable profunditat expressiva.

Bihlmaier evità deliberadament aquella visió monumental i severa que sovint acompanya Bruckner. En lloc d’això, apostà per una sonoritat més flexible i fluida, gairebé orgànica, fent que les frases respiressin amb llibertat. Les cordes destacaren especialment per la seva capacitat de cantar amb elegància i transparència, creant moments d’una sensibilitat molt delicada.

L’*Scherzo* sorprengué per una agilitat poc habitual en aquesta simfonia. Lluny de sonar pesant o excessivament solemne, la música avançava amb impuls i dinamisme, com si la directora volgués alliberar Bruckner del seu pes més terrenal. Fins i tot en els passatges dominats pels metalls i la percussió hi havia una clara voluntat de mantenir la textura lleugera i el moviment constant.

En el moviment final, Bihlmaier sabé administrar amb intel·ligència les grans acumulacions sonores de la partitura. Les explosions del metall apareixien sempre integrades dins d’un discurs coherent i molt treballat, sense perdre mai el control ni la precisió. El resultat fou una interpretació intensa però mai desbordada, emocionant sense caure en l’excés.

Més que buscar una transcendència solemne, aquesta “Wagner” semblava voler explorar una espiritualitat més humana i sensible, menys vinculada al monument i més propera a la respiració mateixa de la música. Amb aquesta lectura, Anja Bihlmaier confirmà que és una directora capaç d’aportar idees personals i una mirada pròpia a un repertori tan immens com el de Bruckner.

Dr. Eloi de Tera

El sábado 16 de mayo de 2026 tuvo lugar en L’Auditori el concierto del ciclo OBC bajo la dirección de la directora alemana Anja Bihlmaier. El concierto comenzó con el estreno mundial de la pieza sinfónica monumental titulada Domèstica Maragda, compuesta por la catalana Helena Cánovas. La obra requería no solo una enorme formación orquestal, sino también la presencia de unos coros muy numerosos, asumidos por la Coral Sant Jordi y por el coro constituido mediante el proyecto participativo “Canta amb l’OBC”. La jovencísima compositora presentó una obra megalítica tanto en la orquestación armónica como en la estructura coral. Un monumento sonoro de gran interés; sin embargo, el texto resultaba cómico y surrealista. Lástima que el Surrealismo terminara hace casi un siglo y que, dentro de aquella estética, pareciera que ya estaba todo dicho. Una pieza estéticamente interesante y bella, interpretada con enorme precisión por todos los implicados, aunque, como suele ocurrir con muchas composiciones actuales, dejaba también la sensación de que la música “clásica” lleva décadas sin evolucionar realmente.

De repente regresamos a 1844 con uno de los conciertos más melancólicos del Romanticismo alemán. El *Concierto para violín en mi menor, op. 64* es un canto sinfónico que parece surgir de un espacio donde la melancolía y la luz conviven sin entrar en conflicto. El violín se convierte en una voz humana que atraviesa lentamente el silencio y la memoria. No existe aquí el dramatismo feroz de Beethoven o Brahms, sino una nostalgia delicada y cautivadora, casi imposible de explicar.

Kristine Balanas, con su Antonio Gragnani entre las manos, buscó desde el primer instante un diálogo delicado y sobrio con la orquesta, libre de artificios, pero articulado con una pureza tímbrica que nos trasladaba directamente al otoño. Un otoño en el que un pájaro suspendido sobre el lago inmóvil de la orquesta —el violín— canta y suspira suavemente. Hubo momentos de recogimiento y paz sonora en los que la melodía nacía lentamente, mientras que en otros emergía una emoción contenida a través del lirismo del violín. Balanas sabe captar cada uno de esos matices con una delicadeza sonora extraordinaria y un timbre brillante, sin inmutarse ni mostrar cansancio, pese a encontrarse en un avanzado estado de gestación.

Muchas veces el violín parecía hablar casi en secreto dentro de su intimidad con la orquesta, con una perfección técnica que hacía que el concierto de Mendelssohn pareciera engañosamente fácil. En manos de Balanas, el violín se convertía en la propia respiración de la naturaleza, en una memoria compartida de un concierto escuchado hace mucho tiempo, permitiéndonos participar de la intimidad de su interpretación. En algunos momentos, la fuerza íntima y tierna de Mendelssohn parecía transformarse en una preciosa nana que la violinista cantaba con toda su intensidad emocional al hijo que llevaba dentro de sí.

Balanas, como toda su familia, es un genio y, como tal, hizo sonar el concierto de Mendelssohn con una belleza que parecía no pertenecer a este mundo. Supo captar perfectamente el carácter intimista y romántico de la obra sin caer jamás en la ostentación virtuosa y superficial, tan inapropiada para esta música. Con ella, el concierto adquiría un carácter intensamente nórdico que le sentaba magníficamente.

En el movimiento final, el concierto confería al violín una fugacidad breve pero perturbadora, como un pájaro de fuego que pasa rápidamente ante nosotros y deja la sensación de haber escuchado algo extraordinariamente bello y efímero, como un sueño que continúa vibrando cuando ya ha desaparecido. Así es también el arte de Balanas: días después de haberla escuchado, la profundidad cristalina de su sonido sigue siendo imborrable en la memoria.

Balanas ofreció un bis extraordinario junto a algunos de los solistas de cuerda de la OBC, una pieza que destacó tanto por su fuerza como por la delicadeza coral de todos los intérpretes implicados.

Las sinfonías de Bruckner parecen construidas con piedra, silencio y fe. Son inmensas catedrales sonoras en las que cada motivo se eleva lentamente hasta convertirse en una experiencia casi espiritual. Frente a la Tercera Sinfonía, la llamada “Sinfonía Wagner”, Anja Bihlmaier demostró una personalidad musical muy definida y una manera muy particular de entender el universo bruckneriano. Aunque el inicio todavía resultó algo irregular, la interpretación fue creciendo progresivamente hasta alcanzar momentos de enorme intensidad y refinamiento.

El comienzo del primer movimiento sonó excesivamente contundente, especialmente por la presencia casi agresiva de la percusión, que en algunos momentos eclipsaba el resto del tejido orquestal. Pero a medida que la obra avanzaba, la directora encontró un equilibrio mucho más natural entre las diferentes secciones, y fue sobre todo a partir del *Andante* cuando la lectura adquirió una verdadera profundidad expresiva.

Bihlmaier evitó deliberadamente esa visión monumental y severa que suele acompañar a Bruckner. En lugar de ello, apostó por una sonoridad más flexible y fluida, casi orgánica, permitiendo que las frases respiraran con libertad. Las cuerdas destacaron especialmente por su capacidad de cantar con elegancia y transparencia, creando momentos de una sensibilidad exquisita.

El Scherzo sorprendió por una agilidad poco habitual en esta sinfonía. Lejos de sonar pesado o excesivamente solemne, la música avanzaba con impulso y dinamismo, como si la directora quisiera liberar a Bruckner de su peso más terrenal. Incluso en los pasajes dominados por los metales y la percusión existía una clara voluntad de preservar la ligereza de la textura y el movimiento constante.

En el movimiento final, Bihlmaier supo administrar con inteligencia las grandes acumulaciones sonoras de la partitura. Las explosiones del metal aparecían siempre integradas dentro de un discurso coherente y cuidadosamente trabajado, sin perder nunca el control ni la precisión. El resultado fue una interpretación de gran intensidad, pero que evitaba cualquier exceso o grandilocuencia.

Más que buscar una trascendencia solemne, esta “Wagner” parecía explorar una espiritualidad más humana y sensible, menos vinculada a la monumentalidad y más cercana a la propia respiración de la música. Con esta lectura, Anja Bihlmaier confirmó nuevamente que es una directora capaz de aportar ideas personales y una mirada propia a un repertorio tan inmenso como el de Bruckner.

Dr. Eloi de Tera